Biografia

Testo Critico del Prof. Vittorio SGARBI –  Storico e Critico d’Arte

Testo estratto dal Volume d’Arte “Porto Franco” – gli artisti sdoganati da V. Sgarbi – Edizioni EA – Palermo – Giugno 2014

Antonio ANASTASIA

C’era una volta il Cubismo. Quello analitico, pionieristico, breve e intensissimo, con i dioscuri Picasso e Braque a indicare la strada, elaborando un nuovo linguaggio, votato a cogliere la dimensione mentale delle cose, che sviluppa al meglio le intuizioni di Cézanne; quello sintetico, successivo al 1912, con i maestri primari che vengono affiancati da tutta una serie di diversi proseliti, impegnati a diffondere il verbo e a codificarlo in linguaggio di più larga condivisione, in un modo non troppo dissimile a quanto fece la manfrediana methodus con Caravaggio.

In Italia, il rapporto col Cubismo fu particolare. Condizionato inizialmente dal Futurismo, che sarebbe dovuto esserne fratello di latte, ma che, vittima del suo nazionalismo, finì per considerarlo rivale nella primogenitura dell’Avanguardia, nel nome del solito primato italiano. Poi ci fu l’ostracismo della figurazione recuperata (Valori Plastici e Novecento innanzitutto), che da una parte non fu affatto estranea al senso “squadrato” della forma introdotto dal Cubismo, dall’altra lo rinnegò apertamente, tacciandolo di degenerazione intellettualistica che oltraggiava la sacra lezione ereditata dal Rinascimento, italiano, naturalmente. Sicché, chi in Italia voleva occuparsi di Cubismo e dei suoi sviluppi doveva farlo in maniera appartata, fuori dalla linea maestra, come i razionalisti del Milione, ad esempio, oppure rimanendo sotto l’egida patriottica del Futurismo, come fanno Depero e Prampolini. Se questa era la situazione, non sorprende che nel primissimo Dopoguerra, spazzate le complicità col fascismo, la riscoperta del Cubismo diviene la tappa obbligata di buona parte del processo di ammodernamento e internazionalizzazione dell’arte italiana, coinvolgendo tanto il versante astrattista quanto il figurativo. Ma dagli anni Cinquanta avanzati in poi, il Cubismo torna a destare poco interesse, travolto dall’orgia informale, e sono in molti a considerarlo consegnato alla storia, ormai definitivamente.

Non per tutti, però. Fuori dalle cerchie più à la page, specialmente fra gli autodidatti, gli studenti d’arte e quanti sono all’inizio della loro formazione artistica, il Cubismo continua a essere un riferimento importante, come il primo linguaggio capace di tenere realmente il passo di una contemporaneità considerata in eterno presente, che va dunque appreso e applicato. E’ questo l’approccio didattico con cui anche il salentino Antonio Anastasia ha reso omaggio al Cubismo, in un modo dunque rispettoso, ma tutt’altro che obbligato e reverenziale, interpretandolo non come meta finale, ma come tappa intermedia, per quanto importante, nel percorso alla ricerca della propria cifra espressiva. Un percorso che significativamente, a sottolineare quanto appena detto, ha contemplato anche altre retrospezioni stilistiche, altre immedesimazioni nei linguaggi storici della modernità, come, ad esempio, l’Astrattismo, l’Informale, con esiti non meno rilevanti di quelli conseguiti con il Cubismo. Non si tratta di “culturalismo” a buon mercato, del farsi bello di una citazione per giustificare la dignità di una proposta artistica altrimenti poco consistente, tanto per capirci, come in Italia, paese tendenzialmente ignorante, capita fin troppo spesso. A riprova di ciò, il fatto che Anastasia ha nel frattempo continuato a praticare una figurazione di soggetto naturalistico che, seppure più prevedibile e convenzionale, ha comunque fornito all’artista la possibilità di esprimersi con un sermo cotidianus che rimane ancora di maggiore comprensione popolare, apparentemente incurante delle successive mediazioni intellettuali che il Cubismo ha imposto da sé stesso in poi. Anastasia, dunque, non vuole affatto mascherarsi in quello che non è, vuole solo capire per poter fare proprio, assimilando solo dopo aver adattato al proprio senso critico, al proprio modo di avvertire l’arte e il mondo. Nelle sue opere “retrocubiste”, per esempio, ho notato la lucidità con cui riconosce a Gino Severini, il più francese dei nostri avanguardisti storici, prima futurista militante, poi antesignano figurativo del rappel à l’ordre, di essere il più logico anello di congiunzione, non solo formale, fra le griglie sintetiche di Gleizes e Delaunay e un Futurismo alla Depero inteso come suprema decorazione universale. Un’interpretazione per niente scontata, anzi acuta e raffinata, che non può non suscitare rispetto per chi l’ha elaborata, dimostrandola con l’evidenza di un’invenzione artistica del tutto convincente in questo senso.

 

 

 

 

 

 

Critica del Prof. Sergio Rossi

Docente Università La Sapienza di Roma, Facoltà di Arte Moderna

Testo estratto dal volume: “ Esposizione Triennale di Arti Visive a Roma 2014”    edito da Giorgio Mondadori

 

<< Prese l’architetto, se io non erro, pure dal pittore gli architravi, le base, i frontespizi e simili tutte altre cose; e con regola e arte del pittore tutti i fabbri, scultori, ogni bottega e ogni arte si regge…però usai dire tra gli amici, secondo la sentenza de’ poeti, quel Narcisso convertito in fiore essere della pittura stato inventore; che già ove sia la pittura fiore d’ogni arte, ivi tutta la storia di Narcisso viene a proposito. Che dirai tu essere dipingere altra cosa che simile abbracciare con arte quella ivi superfice del fonte? >>. Così scriveva Leon Battista Alberti nel suo Trattato sulla pittura del 1436. Ed è appunto alla “pittura” in ogni sua variazione stilistica che ha dedicato tutta la sua vita Antonio Anastasia, artista poliedrico e insieme appartato, si inserisce comunque a pieno titolo in quella tendenza alla riflessione sulle esperienze artistiche del passato che ha ormai conquistato tanti artisti contemporanei che vivono il ritorno al “dipingere” non come un qualcosa di passatista ma piuttosto come la risposta sempre attuale al bisogno di esprimersi connaturato in ogni essere umano.

Del resto oggi finalmente possiamo ricomporre il dualismo, troppo a lungo imperante, tra razionalità e fantasia, o per dirla con altre parole, tra ragione e sentimento, e riconoscere che non vi è alcuna incompatibilità tra questi termini e che anzi entrambi questi elementi sono necessari per la perfetta riuscita di un’opera d’arte. Ma oggi si è ricomposto anche l’altro grande elemento di contrasto che ha dominato l’estetica del Novecento, quello tra intellettualità e manualità, tra idea e prassi. Tramontata infatti la grande utopia dell’arte concettuale si è tornati ad apprezzare in un’opera d’arte, anche fotografica o di video-art, la cura fattuale o se si preferisce tecnica, con cui essa è eseguita, senza per questo nulla togliere al suo valore poetico.

Dunque il contrasto non è più tanto tra pittura e arte concettuale, tra figurativo e informale quanto tra arte colta e arte popolare, linguaggio comprensibile a tutti e linguaggio riservato a pochi, così come tra colui che sa fare arte, qualunque mezzo espressivo usi e colui che non sa farlo.

E i pregevoli e coloratissimi dipinti che scandiscono la carriera di Antonio Anastasia frutto di grande virtuosismo tecnico e assoluta padronanza cromatica, sono essi stessi prova dello sconfinamento dall’astrazione alla figurazione e viceversa, perché sono opere a volte rigorosamente informali, frammenti appunto, di nero, blu, grigio, illuminati da vividi bagliori di gialli, rossi, azzurri, pure forme fluttuanti in un immaginario spazio infinito colto nel momento della sua improvvisa esplosione; a volte invece sono dipinti di nitida scansione geometrica che si rifanno senza alcun complesso d’inferiorità, alla grande tradizione del primo Cubismo di Picasso e Braque rivisto però con l’occhio effervescente di un Balla o di un Depero, lasciando sempre, che la materia viva di una sua propria forza creativa, produca degli effetti cromatici e segnici a volta inattesi e che l’artista si limita a controllare e suggerire, ma non ad imporre.

Egli è in definitiva insieme figurativo e astratto, a volte delicato e poetico ed a volte cromaticamente e dinamicamente violento, come se in lui convivessero insieme il dott. Jeckill e mister Hyde, o meglio se entrambi si specchiassero in quella stessa fonte di Narciso citata all’inizio. Acutamente osserva Simone G. Pieralice:

“ Ogni opera di Anastasia porta con se le tracce di un passaggio attraverso luoghi, passioni, universi che sfociano nella narrazione di una dimensione sospesa tra realtà e immaginario. Mirabile il suo intenso lavoro artistico che sa cogliere e combinare, in linee e colori, messaggi a volte poetici e simbolici, a volte ricchi di un’espressività che scava nell’animo. La singolarità dei soggetti di Anastasia è ben evidente nella sua ultima produzione laddove i personaggi rappresentati si librano sul magma di una materia scomposta, a volte concepita per pluralità di colori che in accordo tra loro portano a una concretezza dell’immagine. L’identità viene così ricostruita per successive modificazioni di linee e nuove conclusioni formali – spaziali della composizione, emblematica a tal proposito è l’opera “ Forme nello Spazio” ed il ciclo di quadri di ispirazione Cubista e Futurista. Elementi che danno ossatura alle immagini, non casuali o estemporanei, ma parti di una cosciente addizione. Ognuna di queste tele raffigura un interno e complessivo equilibrio di segni e di forme, testimonianza d’una evidente e sensibile mediazione tra ordine e disordine. I dipinti nascono allora dalla complessità di un progetto-processo fondato su regola e irregolarità.

Triangolazioni nello spazio, forme convesse, linee, soluzioni geometriche il tutto espresso con un incontenibile tripudio di colori riflesso di un’anima solare e positiva, conseguenza ed esito della convinzione che l’arte possa avere quell’effetto taumaturgico e miracoloso finalizzato a lenire i dolori e le tristezze del secolo attuale.”

Entrando nello specifico di alcune delle sue opere più significative, inizierei dal bellissimo Giocatori di polo, dove quattro cavalieri si intersecano e si scontrano cubisticamente frazionati ma insieme nettamente distinguibili in un dipinto dove i riferimenti palesi a Delaunay e soprattutto al meno noto ma bravissimo Andrè Lothe e ai suoi  Giocatori di rugby, questi riferimenti dicevo, non ci devono nemmeno distogliere, ancora una volta, dalle matrici italianissime del nostro Anastasia che risalgono niente di meno che al primo pittore cubista della storia dell’arte, ossia Paolo Uccello.

Scomposizioni di piani, giochi cromatici che si intersecano fra loro in una commistione equilibrata e armonica, una decostruzione della prospettiva in funzione di un annullamento dei canoni codificati dell’arte.

Piccoli tasselli che raccontano il narrato dell’opera scomposti e ricomposti come fossero anagrammi. Forse, come per i cubisti, anche in Anastasia c’è la volontà di indagare il rappresentato sotto diversi punti di vista, sotto ogni angolatura al fine di rendere l’opera una sorta di “esperimento scientifico” che con pennelli e colori passa al setaccio ogni forma dello scibile umano per sottoporlo all’analisi lenticolare dell’artista.

E ancora mi piace citare la nitida Composizione di frutta, come di un Caravaggio rivisto attraverso gli occhi di Casorati, un Casorati però più solare e mediterraneo; o ancora il più dinamico e verticale Immagini di vita in composizione. Cubismo e astrattismo quasi sconfinano, poi, nel musicalissimo Ritmo o in Forme nello Spazio, per ricomporsi infine nel solenne Omaggio a Severini. Un’ultima osservazione infine sulla presenza della figura umana nella maggior parte delle opere di Anastasia. L’uomo infatti è solo apparentemente assente, sta nell’altra stanza, o fuori dalla finestra, o dietro la curva di un sentiero, in attesa del momento della sua riappropriazione, attraverso l’insostituibile strumento della pittura.