Antonio Anastasia

Textes critiques

Synthèse de quelques textes de critiques d'art historiques et de commissaires d'exposition.

Extrait

“Hors des cercles les plus à la mode, le Cubisme demeure une référence importante — le premier langage réellement capable de suivre le rythme d'une contemporanéité tenue pour un éternel présent. C'est l'approche avec laquelle le Salentin Antonio Anastasia a rendu hommage au Cubisme : avec respect mais sans révérence, l'interprétant non comme une fin mais comme une étape intermédiaire pour porter un langage nouveau, conscient d'un arrière-plan artistique tout à fait respectable. Un talent indéniable, vu les multiples registres chromatiques qu'il parvient à exprimer sur diverses surfaces — démontrant, dans son entière indépendance, sa maîtrise de la couleur, substance et racine de la vie, par la technique novatrice et presque mystérieuse de l'émail synthétique.”

Vittorio Sgarbi

Historien et critique d'art

Porto Franco — gli artisti sdoganati da V. Sgarbi, Edizioni EA, Palermo · 2014

Lire le texte intégral

Texte intégral dans la langue originale (italien).

C’era una volta il Cubismo. Quello analitico, pionieristico, breve e intensissimo, con i dioscuri Picasso e Braque a indicare la strada, elaborando un nuovo linguaggio, votato a cogliere la dimensione mentale delle cose, che sviluppa al meglio le intuizioni di Cézanne; quello sintetico, successivo al 1912, con i maestri primari che vengono affiancati da tutta una serie di diversi proseliti, impegnati a diffondere il verbo e a codificarlo in linguaggio di più larga condivisione, in un modo non troppo dissimile a quanto fece la manfrediana methodus con Caravaggio.

In Italia, il rapporto col Cubismo fu particolare. Condizionato inizialmente dal Futurismo, che sarebbe dovuto esserne fratello di latte, ma che, vittima del suo nazionalismo, finì per considerarlo rivale nella primogenitura dell’Avanguardia, nel nome del solito primato italiano. Poi ci fu l’ostracismo della figurazione recuperata (Valori Plastici e Novecento innanzitutto), che da una parte non fu affatto estranea al senso “squadrato” della forma introdotto dal Cubismo, dall’altra lo rinnegò apertamente, tacciandolo di degenerazione intellettualistica che oltraggiava la sacra lezione ereditata dal Rinascimento, italiano, naturalmente. Sicché, chi in Italia voleva occuparsi di Cubismo e dei suoi sviluppi doveva farlo in maniera appartata, fuori dalla linea maestra, come i razionalisti del Milione, ad esempio, oppure rimanendo sotto l’egida patriottica del Futurismo, come fanno Depero e Prampolini. Se questa era la situazione, non sorprende che nel primissimo Dopoguerra, spazzate le complicità col fascismo, la riscoperta del Cubismo diviene la tappa obbligata di buona parte del processo di ammodernamento e internazionalizzazione dell’arte italiana, coinvolgendo tanto il versante astrattista quanto il figurativo. Ma dagli anni Cinquanta avanzati in poi, il Cubismo torna a destare poco interesse, travolto dall’orgia informale, e sono in molti a considerarlo consegnato alla storia, ormai definitivamente.

Non per tutti, però. Fuori dalle cerchie più à la page, specialmente fra gli autodidatti, gli studenti d’arte e quanti sono all’inizio della loro formazione artistica, il Cubismo continua a essere un riferimento importante, come il primo linguaggio capace di tenere realmente il passo di una contemporaneità considerata in eterno presente, che va dunque appreso e applicato. E’ questo l’approccio didattico con cui anche il salentino Antonio Anastasia ha reso omaggio al Cubismo, in un modo dunque rispettoso, ma tutt’altro che obbligato e reverenziale, interpretandolo non come meta finale, ma come tappa intermedia, per quanto importante, nel percorso alla ricerca della propria cifra espressiva. Un percorso che significativamente, a sottolineare quanto appena detto, ha contemplato anche altre retrospezioni stilistiche, altre immedesimazioni nei linguaggi storici della modernità, come, ad esempio, l’Astrattismo, l’Informale, con esiti non meno rilevanti di quelli conseguiti con il Cubismo. Non si tratta di “culturalismo” a buon mercato, del farsi bello di una citazione per giustificare la dignità di una proposta artistica altrimenti poco consistente, tanto per capirci, come in Italia, paese tendenzialmente ignorante, capita fin troppo spesso. A riprova di ciò, il fatto che Anastasia ha nel frattempo continuato a praticare una figurazione di soggetto naturalistico che, seppure più prevedibile e convenzionale, ha comunque fornito all’artista la possibilità di esprimersi con un sermo cotidianus che rimane ancora di maggiore comprensione popolare, apparentemente incurante delle successive mediazioni intellettuali che il Cubismo ha imposto da sé stesso in poi. Anastasia, dunque, non vuole affatto mascherarsi in quello che non è, vuole solo capire per poter fare proprio, assimilando solo dopo aver adattato al proprio senso critico, al proprio modo di avvertire l’arte e il mondo. Nelle sue opere “retrocubiste”, per esempio, ho notato la lucidità con cui riconosce a Gino Severini, il più francese dei nostri avanguardisti storici, prima futurista militante, poi antesignano figurativo del rappel à l’ordre, di essere il più logico anello di congiunzione, non solo formale, fra le griglie sintetiche di Gleizes e Delaunay e un Futurismo alla Depero inteso come suprema decorazione universale. Un’interpretazione per niente scontata, anzi acuta e raffinata, che non può non suscitare rispetto per chi l’ha elaborata, dimostrandola con l’evidenza di un’invenzione artistica del tutto convincente in questo senso.

“La peinture du Maître Antonio Anastasìa, quel que soit le style, rime toujours avec magie. Si la définition de la dimension artistique d'un peintre devait dépendre, outre la qualité de ses créations, de la quantité de styles, de stylèmes, de modules, de traits distinctifs, de caractéristiques graphiques, de touches et de retouches, d'évolutions, de schémas, de registres, de partitions, d'éléments stylistiques, de maniérismes, de hachures, de segments, de techniques diverses, de manières, d'attitudes, d'empreintes et/ou de signatures et de mille autres fadaises, alors l'un des rares Maîtres qui puisse répondre à la dotation complexe de toutes ces rubriques, et pour lequel je mettrais sans crainte ma main au feu, je le reconnais inexorablement en Antonio Anastasìa. Pendant les vingt ans où je l'ai assisté, observé, étudié, critiqué et médité à travers plusieurs livres, catalogues et monographies, et exposé dans plus d'une centaine d'expositions et d'événements, je l'ai vu se proposer dans tous les styles que je connais avec tant de versatilité que je ne fus pas surpris quand Vittorio Sgarbi lui-même et le regretté Philippe Daverio soulignèrent tous deux n'avoir trouvé chez aucun peintre italien la même habileté empressée à exprimer le style, pas si simple, du Cubisme. Le style cubiste met l'accent sur la surface plane et bidimensionnelle du plan de l'image, rejetant les techniques traditionnelles de perspective, de raccourci, de modelé et de clair-obscur et réfutant les théories traditionnelles selon lesquelles l'art devrait imiter la nature. Mais l'attention particulière des peintres cubistes se portait essentiellement sur la partie technique, appauvrissant l'émotivité de l'imagination. Comme je me suis littéralement réjoui d'observer le tableau que vient de proposer le Maître Anastasìa, quiconque fait de même ne peut que goûter un récit rendu, outre la magie de la couleur distribuée avec l'attention d'un enlumineur chevronné, selon un schéma multitâche dont la lecture aisée est donnée par la clé de sol qui baptise la musicalité de l'ensemble, par les courbes qui font un clin d'œil à la précision d'une construction où les mouvements, rendus illisibles par une imagination fantasmagorique, laissent néanmoins une empreinte mathématique qui s'en remet à des logarithmes et à des théorèmes picturaux qui non seulement ont évité une confusion redoutable mais, au contraire, expriment une empreinte très difficile d'élégance générale qui séduit l'observateur. Inventer un jouet visuel d'une telle portée architecturale suppose un génie créatif absolument rare et très original dans sa décoration intrigante et sa luxuriante coloration.”

Gastone Ranieri Indoni

Critique d'art, éditeur et commissaire

Recensione sull'opera «Composizione Libera» — 20.04.2026 · 2026

Extrait

“En observant attentivement les œuvres du Maître Antonio Anastasia, on est fasciné par des représentations formelles qui s'approchent d'un cubisme raffiné et raisonné, où vibre puissamment une référence au courant spatialiste : les deux influences se fondent naturellement dans un style original où la couleur joue un rôle clé. L'artiste utilise souvent des formes circulaires et curvilignes où le trait noir sec du contour se fond dans une chromie limpide ; les différents plans géométriques se traversent et s'interpénètrent, évoquant des suggestions abstraites mais aussi légèrement figuratives. Il émeut le public par des peintures capables de stimuler l'imagination et d'évoquer des atmosphères magiques : dans un style informel à l'empreinte gestuelle mesurée, l'artiste démontre qu'il maîtrise l'élément chromatique avec une admirable maestria, invitant l'observateur à s'immerger dans des univers spatiaux où le temps semble ne pas exister. L'impression générale est celle d'un artiste très attentif au détail, où même la plus petite zone peinte vit au service d'un équilibre compositionnel global né pour susciter l'émerveillement. La peinture d'Anastasia communique avec immédiateté son irrépressible énergie créatrice : les aplats de couleur se succèdent dans un rythme croissant alimenté par l'inspiration de l'artiste. Des beautés à couper le souffle, des singularités surprenantes qui laissent bouche bée, le parfait résultat d'une liberté d'expression qui coule spontanément : voilà la véritable merveille que l'on éprouve devant les œuvres exposées ici.”

ArtTime

Galeriste et critique d'art

Testo critico in occasione della mostra di Udine · 2025

Lire le texte complet en ligne ↗

Extrait

“Tout en gardant sa passion initiale pour le Cubisme, l'artiste a développé, dès les années 1970, une technique plus instinctive et émotionnelle. Renouant avec la peinture Abstraite et Informelle, il réalise des œuvres comme « Maremoto », où l'application savante des émaux synthétiques produit des effets d'une vraisemblance presque naturaliste. La fusion des couleurs, laissées couler sur le panneau, rappelle l'Action Painting de Jackson Pollock et William Congdon, tout en conservant une mémoire figurative qui émerge subtilement parmi les tons. Le tourbillon chromatique évoque des éclairs de lumière, des éclaboussures d'eau et des ciels d'orage qui conduisent le spectateur vers des lieux inconnus et pourtant familiers.”

Esposizione Triennale di Arti Visive di Roma

Catalogue, Complesso del Vittoriano

Catalogo della Triennale di Roma al Vittoriano · 2017

Lire le texte intégral

Texte intégral dans la langue originale (italien).

Affascinato sin dall’infanzia dai colori che il padre, pittore e decoratore, amalgamava ogni giorno nel suo laboratorio, Antonio Anastasia ha scoperto la sua vocazione artistica in tenera età. Dopo aver conseguito il Diploma all’Istituto Statale d’Arte di Lecce, l’artista si è trasferito a Roma dove ha continuato gli studi all’Accademia di Belle Arti sotto l’egida di maestri d’eccellenza, quali Renato Guttuso, Francesco Gentilini, Piero Guccione e Mino Maccari. Pur mantenendo la sua iniziale passione per il Cubismo, l’artista ha sviluppato poi, sin dagli anni 70, una tecnica più istintiva ed emozionale. Riallacciandosi alla pittura Astratta ed Informale, egli realizza opere come “Maremoto”, nel quale la sapiente stesura degli smalti sintetici crea effetti di verosimiglianza quasi naturalistica. La fusione dei colori, lasciati colare sulla tavola, ricorda l’Action Painting di Jackson Pollock e William Congdon, pur mantenendo una memoria figurativa che emerge sottilmente tra i toni cromatici della tavola. In definitiva, il turbinio di cromatismi evoca lampi di luce, schizzi d’acqua e cieli tempestosi che conducono l’animo dello spettatore verso luoghi sconosciuti seppur familiari.

Extrait

“Les peintures remarquables et hautes en couleur qui jalonnent la carrière d'Antonio Anastasia, fruit d'une grande virtuosité technique et d'une absolue maîtrise de la couleur, sont elles-mêmes la preuve d'un passage de l'abstraction à la figuration et inversement : tantôt des œuvres rigoureusement informelles, fragments de noir, de bleu, de gris éclairés de vives lueurs de jaunes, de rouges, d'azurs, formes pures flottant dans un espace infini imaginaire saisi au moment de son explosion soudaine ; tantôt des tableaux à la scansion géométrique nette qui se rattachent, sans aucun complexe d'infériorité, à la grande tradition du premier Cubisme de Picasso et Braque, revue par l'œil effervescent d'un Balla ou d'un Depero. Il est en définitive à la fois figuratif et abstrait, tantôt délicat et poétique, tantôt chromatiquement et dynamiquement violent, comme si le docteur Jekyll et Mister Hyde cohabitaient en lui.”

Sergio Rossi

Professeur d'art moderne, Université La Sapienza de Rome

Esposizione Triennale di Arti Visive a Roma 2014, Giorgio Mondadori · 2014

Lire le texte intégral

Texte intégral dans la langue originale (italien).

« Prese l’architetto, se io non erro, pure dal pittore gli architravi, le base, i frontespizi e simili tutte altre cose; e con regola e arte del pittore tutti i fabbri, scultori, ogni bottega e ogni arte si regge…però usai dire tra gli amici, secondo la sentenza de’ poeti, quel Narcisso convertito in fiore essere della pittura stato inventore; che già ove sia la pittura fiore d’ogni arte, ivi tutta la storia di Narcisso viene a proposito. Che dirai tu essere dipingere altra cosa che simile abbracciare con arte quella ivi superfice del fonte? ». Così scriveva Leon Battista Alberti nel suo Trattato sulla pittura del 1436. Ed è appunto alla “pittura” in ogni sua variazione stilistica che ha dedicato tutta la sua vita Antonio Anastasia, artista poliedrico e insieme appartato, si inserisce comunque a pieno titolo in quella tendenza alla riflessione sulle esperienze artistiche del passato che ha ormai conquistato tanti artisti contemporanei che vivono il ritorno al “dipingere” non come un qualcosa di passatista ma piuttosto come la risposta sempre attuale al bisogno di esprimersi connaturato in ogni essere umano.

Del resto oggi finalmente possiamo ricomporre il dualismo, troppo a lungo imperante, tra razionalità e fantasia, o per dirla con altre parole, tra ragione e sentimento, e riconoscere che non vi è alcuna incompatibilità tra questi termini e che anzi entrambi questi elementi sono necessari per la perfetta riuscita di un’opera d’arte. Ma oggi si è ricomposto anche l’altro grande elemento di contrasto che ha dominato l’estetica del Novecento, quello tra intellettualità e manualità, tra idea e prassi. Tramontata infatti la grande utopia dell’arte concettuale si è tornati ad apprezzare in un’opera d’arte, anche fotografica o di video-art, la cura fattuale o se si preferisce tecnica, con cui essa è eseguita, senza per questo nulla togliere al suo valore poetico.

Dunque il contrasto non è più tanto tra pittura e arte concettuale, tra figurativo e informale quanto tra arte colta e arte popolare, linguaggio comprensibile a tutti e linguaggio riservato a pochi, così come tra colui che sa fare arte, qualunque mezzo espressivo usi e colui che non sa farlo.

E i pregevoli e coloratissimi dipinti che scandiscono la carriera di Antonio Anastasia frutto di grande virtuosismo tecnico e assoluta padronanza cromatica, sono essi stessi prova dello sconfinamento dall’astrazione alla figurazione e viceversa, perché sono opere a volte rigorosamente informali, frammenti appunto, di nero, blu, grigio, illuminati da vividi bagliori di gialli, rossi, azzurri, pure forme fluttuanti in un immaginario spazio infinito colto nel momento della sua improvvisa esplosione; a volte invece sono dipinti di nitida scansione geometrica che si rifanno senza alcun complesso d’inferiorità, alla grande tradizione del primo Cubismo di Picasso e Braque rivisto però con l’occhio effervescente di un Balla o di un Depero, lasciando sempre, che la materia viva di una sua propria forza creativa, produca degli effetti cromatici e segnici a volta inattesi e che l’artista si limita a controllare e suggerire, ma non ad imporre.

Egli è in definitiva insieme figurativo e astratto, a volte delicato e poetico ed a volte cromaticamente e dinamicamente violento, come se in lui convivessero insieme il dott. Jeckill e mister Hyde, o meglio se entrambi si specchiassero in quella stessa fonte di Narciso citata all’inizio. Acutamente osserva Simone G. Pieralice:

“ Ogni opera di Anastasia porta con se le tracce di un passaggio attraverso luoghi, passioni, universi che sfociano nella narrazione di una dimensione sospesa tra realtà e immaginario. Mirabile il suo intenso lavoro artistico che sa cogliere e combinare, in linee e colori, messaggi a volte poetici e simbolici, a volte ricchi di un’espressività che scava nell’animo. La singolarità dei soggetti di Anastasia è ben evidente nella sua ultima produzione laddove i personaggi rappresentati si librano sul magma di una materia scomposta, a volte concepita per pluralità di colori che in accordo tra loro portano a una concretezza dell’immagine. L’identità viene così ricostruita per successive modificazioni di linee e nuove conclusioni formali – spaziali della composizione, emblematica a tal proposito è l’opera “ Forme nello Spazio” ed il ciclo di quadri di ispirazione Cubista e Futurista. Elementi che danno ossatura alle immagini, non casuali o estemporanei, ma parti di una cosciente addizione. Ognuna di queste tele raffigura un interno e complessivo equilibrio di segni e di forme, testimonianza d’una evidente e sensibile mediazione tra ordine e disordine. I dipinti nascono allora dalla complessità di un progetto-processo fondato su regola e irregolarità.

Triangolazioni nello spazio, forme convesse, linee, soluzioni geometriche il tutto espresso con un incontenibile tripudio di colori riflesso di un’anima solare e positiva, conseguenza ed esito della convinzione che l’arte possa avere quell’effetto taumaturgico e miracoloso finalizzato a lenire i dolori e le tristezze del secolo attuale.”

Entrando nello specifico di alcune delle sue opere più significative, inizierei dal bellissimo Giocatori di polo, dove quattro cavalieri si intersecano e si scontrano cubisticamente frazionati ma insieme nettamente distinguibili in un dipinto dove i riferimenti palesi a Delaunay e soprattutto al meno noto ma bravissimo Andrè Lothe e ai suoi Giocatori di rugby, questi riferimenti dicevo, non ci devono nemmeno distogliere, ancora una volta, dalle matrici italianissime del nostro Anastasia che risalgono niente di meno che al primo pittore cubista della storia dell’arte, ossia Paolo Uccello.

Scomposizioni di piani, giochi cromatici che si intersecano fra loro in una commistione equilibrata e armonica, una decostruzione della prospettiva in funzione di un annullamento dei canoni codificati dell’arte.

Piccoli tasselli che raccontano il narrato dell’opera scomposti e ricomposti come fossero anagrammi. Forse, come per i cubisti, anche in Anastasia c’è la volontà di indagare il rappresentato sotto diversi punti di vista, sotto ogni angolatura al fine di rendere l’opera una sorta di “esperimento scientifico” che con pennelli e colori passa al setaccio ogni forma dello scibile umano per sottoporlo all’analisi lenticolare dell’artista.

E ancora mi piace citare la nitida Composizione di frutta, come di un Caravaggio rivisto attraverso gli occhi di Casorati, un Casorati però più solare e mediterraneo; o ancora il più dinamico e verticale Immagini di vita in composizione. Cubismo e astrattismo quasi sconfinano, poi, nel musicalissimo Ritmo o in Forme nello Spazio, per ricomporsi infine nel solenne Omaggio a Severini. Un’ultima osservazione infine sulla presenza della figura umana nella maggior parte delle opere di Anastasia. L’uomo infatti è solo apparentemente assente, sta nell’altra stanza, o fuori dalla finestra, o dietro la curva di un sentiero, in attesa del momento della sua riappropriazione, attraverso l’insostituibile strumento della pittura.

Extrait

“Dans son atelier, encombré d'émaux et de toiles, il peint dans le silence du matin : lui seul, l'espace pour bouger, les émaux synthétiques et la surface où donner vie à une pensée par le mouvement et l'amalgame des couleurs, guidés par la spatule et ses doigts — d'où naissent d'extraordinaires effets chromatiques impossibles à obtenir au pinceau. Son Expressionnisme abstrait très personnel mêle Abstrait, Informel, Dripping et Spatialisme : il exprime son malaise face à une société malade, raconté uniquement par la couleur, sans images, en pleine liberté.”

Eleonora Dusi

Curatrice — Entretien

Italia Sera — Rubrica «Armonia, Arte, Sport» · 2013

Lire l’entretien intégral

Extrait

“« Future Emozioni » est un univers en expansion, un kaléidoscope de formes qui s'entrecroisent et se dissolvent, de triangles qui s'unissent à des carrés, de cercles qui effleurent des trapèzes dans une symphonie chromatique sans répit. Chaque figure se décompose et se recompose dans un rythme incessant, comme si l'artiste cherchait à traduire le code secret de la réalité par le langage des formes. Antonio ne se contente pas de suggérer un ordre géométrique : il pousse à le chercher, à le découvrir dans le chaos apparent, à retrouver une harmonie qui est là, sous nos yeux, prête à se révéler. On y entend l'écho de la rigueur de Piet Mondrian, avec sa quête de la perfection de la ligne et de l'équilibre entre formes et couleurs. Mais là où Mondrian construit un ordre sévère, Antonio brise la rigidité, plie les géométries, laisse se dissoudre les frontières entre les figures, comme si la matière était en perpétuelle transformation. En même temps, on perçoit un écho de Vassily Kandinsky, avec son idée que la peinture abstraite peut traduire sur la toile le son de l'Univers. Les géométries d'Antonio se meuvent et vibrent dans une harmonie musicale, dans une danse de lumière et d'énergie. Par son extraordinaire équilibre entre rigueur et liberté, l'artiste nous montre un monde où les géométries ne sont pas des prisons, mais des portes ouvertes sur l'infini.”

Via Margutta — Mostra Collettiva

Critique d'art professionnel

Testo critico su «Future Emozioni» (olio su tela, 80 × 80 cm, 2018) — Roma, marzo · 2025

Entretiens

Eleonora Dusi

Curatrice — Rome

Italia Sera, rubrique « Armonia, Arte, Sport » — jeudi 17 janvier 2013

L’appartement se trouve dans un ensemble résidentiel historique, de ceux typiques du quartier Prati à Rome, avec sa petite cour intérieure soignée, ses plantes et ses vélos à panier. Dans cet appartement, il y a un atelier d’artiste. Donc, pour récapituler : une maison parmi les maisons, l’heure du déjeuner, les cabinets de comptables, d’avocats et de notaires, le cabinet de quelque dentiste — et un peintre. Qui m’ouvre la porte en souriant et me fait aussitôt asseoir dans son atelier, dans ce coin discret et retiré où il a son chevalet et ses couleurs. Un atelier dans les règles de l’art : les pots de pinceaux, les tubes de peinture et la palette tachée. L’odeur d’huile et de térébenthine de la toile en cours.

Antonio Anastasia m’intrigue, car il a commencé à peindre jeune, au début des années 1960, et dès 1968 il exposait déjà une quarantaine d’œuvres dans sa première exposition personnelle à Maglie, au cercle culturel « Friends Club » ; par la suite, pour des raisons de force majeure, il s’est consacré surtout au graphisme — presque exclusivement pour Alitalia, où il dirigeait le projet ICARUS de cartographie automatisée, contribuant à donner du prestige à notre compagnie nationale au niveau européen. Je l’arrête et lui dis : voici ton œuvre la plus importante — en en désignant une ! Et lui me répond oui, mais l’œuvre à laquelle il tient le plus, même si ce n’est pas la plus importante, et peut-être celle jamais exposée et la moins en vue, c’est « L’amore perduto » (À ma femme), une sphère jaune parmi les couleurs. Comme sont dédiés à sa femme cet abstrait heureux, « Pensiero d’Amore », « Primavera a Pallottini » et « Composizione musicale con fiori tropicali ». Un souvenir douloureux, qui fut pourtant l’élan pour se réfugier de toute son âme dans la peinture, sa vraie profession, et reprendre avec ardeur la recherche d’une nouvelle technique picturale commencée dans les années 70. Son « Expressionnisme abstrait » très personnel, un mélange d’Abstrait, d’Informel, de Dripping et de Spatialisme. Il cherche souvent à exprimer tout son malaise envers une société malade, mais raconté uniquement et exclusivement par la couleur, sans images, en pleine liberté. Il n’y est parvenu qu’après de longues années de recherche et de toiles détruites, et une intuition qui s’est révélée gagnante après une nuit blanche et d’innombrables essais.

Il me raconte que pendant l’exécution d’une œuvre Abstraite (qu’il ne réalise que dans sa maison de campagne, à cause de l’espace) il s’isole, se coupe du monde, aucun contact. Dans son atelier encombré d’émaux et de toiles, dans le silence du matin, il peint : il n’y a que lui, beaucoup d’espace pour se mouvoir, les émaux synthétiques et la surface où donner vie à une pensée, à une idée, par le mouvement et l’amalgame des couleurs guidés par la spatule et par ses doigts, d’où naissent ces effets chromatiques extraordinaires, tant admirés, impossibles à obtenir au pinceau.

Il règne beaucoup d’ordre dans son atelier romain comme dans toute la « maison-galerie ». Ses œuvres sont partout, accrochées et empilées dans chaque pièce, y compris celles réalisées directement sur verre, qui représentent le début de sa recherche abstraite et le caractérisent assurément — et, plus que toutes, celles qu’il aime appeler « cubistes/futuristes » : des toiles subdivisées géométriquement où non, il n’y a pas de véritable cubisme. La forme n’est pas « ouverte » sur le plan, mais plutôt segmentée en zones de chromies différentes, avec un usage fascinant, plein et compact des couleurs primaires. Chaque espace est rempli. Tout cela sonne agréablement, tandis que je vois enfin ses œuvres cubistes/futuristes en vrai.

« Pourquoi appelles-tu les natures mortes “Composizione di natura morta” ou “Composizione musicale con fiori tropicali”, “Composizione con edera” ? Pourquoi ce terme de “composition” ? » lui dis-je.

« Parce que les objets sont placés dans un espace fictif ; je décide de la scène comme un metteur en scène, puis je les peins. C’est moi qui assemble des instruments de musique et des fleurs. Autrement, cette association n’existerait pas dans la nature. » Le mot « con » (avec) s’emploie quand il y a un élément vivant dans la composition. La linéarité de cette logique est déconcertante. Comme le sont aussi certaines vieilles peintures de jeunesse. Brutalement simples, vaguement élémentaires, mais enthousiastes, heureuses. Des couchers de soleil, ceux des poètes.

« Oui, mais », poursuis-je en remettant à plus tard sa gentille invitation à déjeuner ensemble, « quelles sont les œuvres qui te représentent vraiment ? Celles dont tu pourrais dire : “c’est moi” ? »

Celles-ci, me dit-il en pointant le doigt vers un grand panneau dans le couloir. C’est un panneau large, d’environ trois mètres de haut et cent vingt centimètres de large, avec ses couleurs à lui, celles qui le distinguent : un certain bleu, un certain jaune ocre, les verts, les rouges, les oranges. Cubiste/Futuriste, il agglomère symboles, objets et animaux de bestiaire médiéval. Et astres, planètes, un ordinateur, une composition de nature morte, une fenêtre ouverte sur un coucher de soleil collinaire, des roues d’engrenages mécaniques pour représenter le travail, des tubes de couleurs, et le visage du sphinx. Il m’explique patiemment pendant que je flâne, déconcertée. En somme, le panneau représente en haut le ciel, au centre les choses terrestres, en bas un soupçon de vie dans la mer — où se croisent présent et passé.

« Voilà. C’est ça, ce que je suis. » Comment s’appelle-t-il ? lui dis-je en retour. « Immagini di vita in composizione » (Images de vie en composition). Je souris. « Ici aussi, il y a une composition. »

L’œuvre la plus représentative, qui lui a donné beaucoup de satisfactions dans les concours de peinture, est « Giocatori di Polo » (Joueurs de polo). Il aime qu’il s’agisse de figures dans une somme convulsive : les muscles des chevaux, les bras des joueurs. Mais il n’y a, absolument, aucun mouvement. Il y a, plutôt, fluidité et linéarité, douceur. Un élan qui apaise. Car celui qui regarde un match de polo ne regarde pas une charge de cavalerie en bataille : il regarde un spectacle divertissant sur une pelouse. D’autres joueurs de polo dans l’histoire — ceux de Renato Birolli, du mouvement Corrente, presque au repos ; et ceux de Gen Paul, eux vraiment convulsifs et engloutissants, dévoreurs d’air et d’espace. En regardant Joueurs de polo, il me vient à l’esprit qu’il y a chez Anastasia presque une envie enfantine de lâcher la bride, après presque une vie passée à produire des cartes aéronautiques et à faire du graphisme. À peindre par métier. La créativité est toujours là, dans un travail comme celui-ci, me dit-il en me montrant quelque chose, et les travaux que j’observe sont remarquables. Tous faits à la main, préparés pour l’impression avec le graphos, quand le graphisme publicitaire se faisait ainsi. En artisans, à la tempera et à l’aérographe. Les brochures, les décors, même les timbres étaient dessinés à la main, comme ces trois pour le concours du vingt-cinquième anniversaire d’Alitalia qu’il sort d’un dossier.

« Tu veux devenir célèbre ? » lui lancé-je, pour jouer. « Devenir riche en peignant n’est pas mon désir premier, si c’est ce que tu veux dire. » Il sourit, malin. « Vendre un tableau est parfois quelque chose qui m’attriste, c’est comme si une partie de moi s’en allait. » Beaucoup d’œuvres, je les considère comme mes enfants que je ne donnerai jamais. Tu ne bradrais pas une de tes œuvres, lui demandé-je affirmative. Il secoue la tête. Puis il devient sérieux et me dit : « Je peins parce que j’en ai un besoin vital. » Il raconte à voix basse que les idées lui viennent souvent soudainement, de la pensée de certains événements ou de rêves qu’il court noter même la nuit. Je pense que certains réalisateurs font ainsi. Nous nous disons tout cela en feuilletant les nombreux catalogues et revues qui l’accueillent et en fouillant parmi les affiches : la Biennale internationale de Rome de 2012, Turin, Cologne, Miami avec Art River et, ces jours-ci précisément, la Biennale de Palerme.

De fait, je me retrouve devant un artiste d’élan polyédrique qui, comme il se doit pour un artiste, est en recherche continuelle de nouvelles expérimentations techniques. Je suis frappée par la différence de style et de technique entre les œuvres sur verre et les autres. Il y a quelque chose de mystérieux dans ces taches de couleur dense et transparente. Il semble que ce soient des impressions de couleur restées là à sédimenter. Quelque chose qui aurait trouvé sa place sur ce verre et se serait lentement déshydraté. Il y a de l’opacité, de la profondeur et du mystère. Celles que je vois en vrai sont des œuvres de petites dimensions, au maximum 40×50. J’ai l’habitude de ne pas m’étonner quand un artiste diversifie considérablement sa production. En chacun, il y a une dualité.

« Nous avons tous quelque chose de plus secret », me dit-il. « Quelque chose de moins vif que les Joueurs de polo. » J’acquiesce.

Gastone Ranieri Indoni

Critique d'art, galeriste, éditeur et commissaire

Avril 2021 — publié dans la revue d'art bimestrielle « FMS »

Gastone Indoni : Salut Antonio, nous sommes amis depuis longtemps et je connais ton art, que j'ai sondé dans tous les styles que tu as su, comme peu d'autres, proposer ; aujourd'hui, en ami et non en critique, je veux te poser les questions que la plus simple complicité me suggère : raconte-moi comment et pourquoi tu es né et devenu artiste.

Antonio Anastasia : Eh bien, tu sais, dès l'enfance j'ai tutoyé les couleurs. Toujours : dans l'atelier de mon père, artisan, peintre et décorateur, j'étais fasciné de l'observer, et je l'admirais pour la façon dont il obtenait les couleurs nécessaires, l'habileté avec laquelle il mélangeait les émaux synthétiques ou préparait les détrempes à distribuer à ses ouvriers pour les divers travaux. Je ne te cache pas que, souvent, sûr de l'absence prolongée de mon père, invité inaperçu, je me faufilais pour tenter les premiers dosages qui, alors tout à fait ignorant, deviendraient avec le temps l'objet principal de mes recherches inépuisables. Tu sais, en 1955, les différentes tonalités s'obtenaient à la main en calibrant les couleurs principales dans le blanc, et ce mélange initial était magnifique ; en tournant le pinceau dans le récipient, il se formait, avant l'amalgame final, un tourbillon de couleurs fait d'abord de stries régulières, puis de mailles plus larges, jusqu'à prendre la tonalité voulue avec seulement quelques petites corrections. Ce tourbillon chromatique est entré tout de suite dans mon sang sans plus jamais me quitter.

Gastone Indoni : Un effet à ce point viscéral ?

Antonio Anastasia : J'ai vécu et je vis encore aujourd'hui en analysant et en conjuguant toutes les infinies chromies harmoniques de la couleur et toutes ces nuances qui exaltent le clair-obscur, les ombres et les volumes. En été, pendant les vacances scolaires, j'allais avec les ouvriers expérimentés et j'apprenais le « métier » : faux marbres, fausses tapisseries qui, je me souviens, s'obtenaient avec des rouleaux de caoutchouc ensuite retouchés à la main, fines lignes de couleur pour créer de fausses corniches dans les églises ou les palais seigneuriaux, etc. Toute cette expérience, accumulée jusqu'à 18 ans, a contribué à ma maturité artistique et à former l'intuition pour les œuvres Abstraites. Une volonté irrépressible de recherches chromatiques nouvelles et multiples est née précisément de ce souvenir, affiné ensuite au fil des décennies.

Gastone Indoni : Les premières expériences paternelles, l'entraînement avec les ouvriers et bien sûr l'étude ; mais qui a influencé et peut-être personnalisé ta peinture ?

Antonio Anastasia : Malgré mes quatre années à l'Académie des Beaux-Arts de Rome à dessiner des nus (1965/1969) avec les maîtres Guttuso, Gentilini et Maccari, je n'ai jamais été attiré par le figuratif, ce n'est pas mon genre, juste quelques paysages et couchers de soleil parce que pleins de couleurs ; mais je ne m'y réalisais pas, je ne me sentais ni tout à fait libre ni créatif. J'admirais certes les traits décidés de Guttuso et ses couleurs vives, mais je préférais certaines œuvres de Gentilini, que je sentais plus proches de mes esquisses décoratives et créatives faites à l'Institut d'Art de Lecce (1963/1965). Chez moi la fantaisie décorative et compositionnelle a toujours prévalu, c'est pourquoi j'étais attiré par les œuvres Cubistes et Futuristes des grands maîtres comme Picasso, Severini, Braque, Boccioni, Tato, Balla et d'autres. J'ai donc naturellement épousé ce courant artistique en l'adaptant à mon goût et à ma personnalité, tout en admirant la force expressive des coups de pinceau de Van Gogh et de nombreux illustres Macchiaioli et Impressionnistes.

Gastone Indoni : Tu n'as donc pas subi de fascination entraînante particulière ni adopté un timbre particulier suggéré ?

Antonio Anastasia : Évidemment j'ai acquis un imposant mélange de suggestions et de connotations que je devais cependant personnaliser, poursuivant inexorablement cette signature instinctive dont tu parles, qui me ferait sentir seul maître d'une griffe stylistique. Malheureusement, après la première personnelle de 1968 dans ma ville natale avec 39 œuvres, à peine âgé de vingt ans, je me suis installé à Rome pour terminer mes études à l'Académie. D'intéressantes perspectives se sont aussitôt ouvertes et je travaillais avec un enthousiasme indicible. Après un moment, tu sais comment la vie peut te surprendre, ne pouvant refuser une mission déterminante, j'ai été contraint d'éluder d'importants événements artistiques nationaux et internationaux, qui ont retardé mon positionnement sur le marché, atteint plus tard. J'ai commencé à être présent et à participer assidûment à diverses expositions nationales et internationales, constatant avec satisfaction une notable appréciation de la part de critiques qui m'étaient inconnus. En somme j'ai perdu mes meilleures années et je n'ai pas pu cultiver d'amitiés artistiques, étant aussi assez réservé, ce qui, je crois, m'a certainement porté préjudice dans un domaine déjà si difficile.

Gastone Indoni : Voilà pourquoi tu as assimilé une véhémente force caméléon qui t'a permis de reproposer les styles de n'importe qui, comme Vittorio Sgarbi lui-même te l'a reconnu en analysant et en s'émerveillant de ton parfait cubisme.

Antonio Anastasia : Certainement. Cet apprentissage auprès de tant de grands maîtres et la grande envie de les émuler, en gardant toujours à l'esprit ma personnalité, m'ont peu à peu indiqué la voie que j'ai ensuite empruntée, décidant avec conviction de ce que serait mon parcours final.

Gastone Indoni : Que s'est-il passé, comment et quand ?

Antonio Anastasia : En 1970, tout en continuant à peindre des œuvres PostCubistes, comme le montrent les toutes récentes de 2020, j'ai ressenti fortement le besoin d'expérimenter des techniques pour donner libre cours à ma créativité la plus intime ; je voulais transférer sur la toile, avec immédiateté et synthèse illustrative, mes multiples pensées, ou une émotion, des événements naturels survenus, ceux qui appellent l'attention sociale, et pourquoi pas les rêves, histoire de planer aussi sur le surréalisme ; et puis le cosmos, la fantaisie de genre, peut-être avec la seule couleur, des thèmes exempts et éloignés de formes définies, avec l'aide des seules mains et sans pinceaux.

Gastone Indoni : Une période de plein furor créatif, référence inconsciente classique typique des créateurs naturels et fébriles qui abordent des rivages qu'ils abandonnent vite pour…

Antonio Anastasia : J'ai donc commencé à m'essayer d'abord à la détrempe sur verre, puis progressivement, sur toile et sur bois, aux émaux synthétiques de mémoire paternelle, et cela m'a aidé à poursuivre la recherche haletante. Les effets commençaient à être satisfaisants, mais ce n'est qu'avec le temps et la recherche constante, infinie, que j'ai trouvé le « quid génial » pour parvenir à amalgamer absolument les émaux synthétiques, très difficiles à traiter. Lors de l'acte créateur de ces œuvres, je m'isole complètement du monde qui m'entoure et, dans le silence de ma maison de campagne, tandis que je commence à étendre les émaux, il y a toujours un moment où la fantaisie prend le dessus, la main court vite pour que la couleur ne sèche pas, jusqu'à trouver les alchimies chromatiques les plus inexplorées.

Gastone Indoni : Voilà le moment cathartique classique que tu as frôlé toute une vie et dont tu as enfin trouvé le centre.

Antonio Anastasia : Le résultat se traduit en images incroyables et fantastiques, formes imaginatives et surréelles, souvent de véritables éclairs de lumière qui projettent un Univers fascinant et mystérieux. Une joie comblante ! Il arrive souvent que l'amalgame ne me satisfasse pas, et alors je n'hésite pas : j'efface et je recommence plus tard. L'observateur, l'œuvre finie, se trouve devant une telle explosion de couleurs qu'elle suscite la curiosité et l'absorbe au point qu'il peut lui-même imaginer et entrevoir des formes, comme cela se produit dans le ciel avec les nuages. Mais le titre de l'œuvre fait souvent office de suggestion-guide.

Gastone Indoni : Alors, le lien avec tes œuvres ? Regrets, repentirs, jalousies ?

Antonio Anastasia : Pour être sincère, je suis jaloux de la plupart de mes travaux, je n'ai jamais bradé une œuvre, peut-être parce que je n'en ai heureusement pas eu la nécessité ; elles sont comme mes enfants et je m'en sépare avec peine. Je soigne chaque œuvre avec un amour infini et, avant de la signer, je la regarde et l'observe pendant des jours en cherchant patiemment le détail qui manque, peut-être à l'excès. Cela semblera étrange à beaucoup, mais presque toutes me représentent malgré leur diversité, aussi bien les PostCubistes, plus raisonnées et soignées, que je laisse décanter des mois sur le chevalet, que les Abstraites, où je mets mon âme et mon instinct, mon sentiment, et où je libère toute ma créativité et ma passion pour la couleur. J'aime quand un visiteur, pendant une exposition, s'approche, intrigué, frappé par la chromaticité, d'une de mes œuvres abstraites et en demande le sens : puis, en lisant le titre et en écoutant ce que j'ai voulu représenter, il comprend et approuve joyeusement le thème. Pour moi c'est déjà un succès non négligeable : cela signifie que, bien qu'abstraite, elle a été comprise positivement.

Gastone Indoni : Comment te confrontes-tu aux difficultés de l'artiste aujourd'hui ?

Antonio Anastasia : Nous vivons des temps difficiles depuis déjà pas mal d'années, le marché est envahi d'artistes de tout genre ; certains sont des professionnels très bons, énormément sont des parvenus qui n'entrent pas du tout dans le juste cliché de l'artiste et, tout en gonflant les poches de nombreux galeristes et organisateurs d'expositions sans valeur, ils perturbent l'information du marché, qui en souffre, faussée par des offres ridicules. Sans parler des Institutions qui, du simple fait d'être politisées, ne suivent pas une sélection méritoire, démentant toujours plus le public sans créer une discontinuité artistique véridique et utile. Tout est business conçu et organisé pour le Dieu argent. Dans bien des événements et expositions d'art contemporain, je remarque des œuvres et/ou installations qui, à mon avis, n'ont que peu ou rien d'artistique, et qui sont pourtant admirablement chroniquées par une critique asservie. J'espère qu'un jour les Institutions, peut-être gérées par des gens qui s'y connaissent en art, investiront résolument dans la culture et l'art au lieu de gaspiller des milliards en honteux théorèmes clientélistes.

Gastone Indoni : Un « J'accuse » que Zola applaudirait…

Antonio Anastasia : À ce propos, avant de conclure, permets-moi de te reconnaître une sorte de rare exception qui ne te vient peut-être pas, comme tu le dis, par mérite mais par la passion que tu as toujours déversée dans ton travail ; je pense que ton parcours, ton passé artistique qui t'a vu diriger, en peintre, un atelier important au service de grands commanditaires, vivre dans ta chair des expériences d'artiste, gérer une myriade d'expositions comme commissaire et galeriste, et être un éditeur attentif à la qualité et respectueux des maîtres et des émergents méritants, t'a enrichi d'une expérience telle qu'elle t'a inculqué, avec ton caractère, une tout autre approche que l'approche commune, qui, pour ce qui me concerne, a été exemplaire.

Gastone Indoni : Je t'arrête, Maître : penses-tu que l'estime et l'amitié qui nous unissent doivent faire partie intégrante de cet entretien ?

Antonio Anastasia : Bien sûr ! Notre échange a été amical, non ? Alors, si tu écris depuis toute une vie des critiques et des comptes rendus pour moi, quand je t'adresse une juste reconnaissance, confirmée aussi par le succès de ton travail de blogueur, sans parler de la splendide revue, elle ne pourra certes pas être considérée comme une flatterie partiale. Mieux encore, tu sais ce que je te dis ? Arrosons cette rencontre ; allons nous faire des spaghettis, Gastò !

Presse et publications

Une sélection de couvertures, catalogues et annuaires d'art où figure l'artiste.