Antonio Anastasia

Textos críticos

Síntesis de algunos textos de críticos de arte históricos y curadores.

Extracto

“Más allá de los círculos más a la moda, el Cubismo sigue siendo una referencia importante — el primer lenguaje realmente capaz de seguir el ritmo de una contemporaneidad considerada un eterno presente. Es este el enfoque con el que el salentino Antonio Anastasia ha rendido homenaje al Cubismo: con respeto pero sin reverencia, interpretándolo no como meta final sino como etapa intermedia para impulsar un lenguaje nuevo, consciente de un bagaje artístico del todo respetable. Sin duda un talento, vistos los múltiples registros cromáticos que logra expresar sobre diversas superficies — demostrando, en su absoluta independencia, su dominio del color, que es sustancia y raíz de la vida, mediante la innovadora y casi misteriosa técnica del esmalte sintético.”

Vittorio Sgarbi

Historiador y crítico de arte

Porto Franco — gli artisti sdoganati da V. Sgarbi, Edizioni EA, Palermo · 2014

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Texto completo en el idioma original (italiano).

C’era una volta il Cubismo. Quello analitico, pionieristico, breve e intensissimo, con i dioscuri Picasso e Braque a indicare la strada, elaborando un nuovo linguaggio, votato a cogliere la dimensione mentale delle cose, che sviluppa al meglio le intuizioni di Cézanne; quello sintetico, successivo al 1912, con i maestri primari che vengono affiancati da tutta una serie di diversi proseliti, impegnati a diffondere il verbo e a codificarlo in linguaggio di più larga condivisione, in un modo non troppo dissimile a quanto fece la manfrediana methodus con Caravaggio.

In Italia, il rapporto col Cubismo fu particolare. Condizionato inizialmente dal Futurismo, che sarebbe dovuto esserne fratello di latte, ma che, vittima del suo nazionalismo, finì per considerarlo rivale nella primogenitura dell’Avanguardia, nel nome del solito primato italiano. Poi ci fu l’ostracismo della figurazione recuperata (Valori Plastici e Novecento innanzitutto), che da una parte non fu affatto estranea al senso “squadrato” della forma introdotto dal Cubismo, dall’altra lo rinnegò apertamente, tacciandolo di degenerazione intellettualistica che oltraggiava la sacra lezione ereditata dal Rinascimento, italiano, naturalmente. Sicché, chi in Italia voleva occuparsi di Cubismo e dei suoi sviluppi doveva farlo in maniera appartata, fuori dalla linea maestra, come i razionalisti del Milione, ad esempio, oppure rimanendo sotto l’egida patriottica del Futurismo, come fanno Depero e Prampolini. Se questa era la situazione, non sorprende che nel primissimo Dopoguerra, spazzate le complicità col fascismo, la riscoperta del Cubismo diviene la tappa obbligata di buona parte del processo di ammodernamento e internazionalizzazione dell’arte italiana, coinvolgendo tanto il versante astrattista quanto il figurativo. Ma dagli anni Cinquanta avanzati in poi, il Cubismo torna a destare poco interesse, travolto dall’orgia informale, e sono in molti a considerarlo consegnato alla storia, ormai definitivamente.

Non per tutti, però. Fuori dalle cerchie più à la page, specialmente fra gli autodidatti, gli studenti d’arte e quanti sono all’inizio della loro formazione artistica, il Cubismo continua a essere un riferimento importante, come il primo linguaggio capace di tenere realmente il passo di una contemporaneità considerata in eterno presente, che va dunque appreso e applicato. E’ questo l’approccio didattico con cui anche il salentino Antonio Anastasia ha reso omaggio al Cubismo, in un modo dunque rispettoso, ma tutt’altro che obbligato e reverenziale, interpretandolo non come meta finale, ma come tappa intermedia, per quanto importante, nel percorso alla ricerca della propria cifra espressiva. Un percorso che significativamente, a sottolineare quanto appena detto, ha contemplato anche altre retrospezioni stilistiche, altre immedesimazioni nei linguaggi storici della modernità, come, ad esempio, l’Astrattismo, l’Informale, con esiti non meno rilevanti di quelli conseguiti con il Cubismo. Non si tratta di “culturalismo” a buon mercato, del farsi bello di una citazione per giustificare la dignità di una proposta artistica altrimenti poco consistente, tanto per capirci, come in Italia, paese tendenzialmente ignorante, capita fin troppo spesso. A riprova di ciò, il fatto che Anastasia ha nel frattempo continuato a praticare una figurazione di soggetto naturalistico che, seppure più prevedibile e convenzionale, ha comunque fornito all’artista la possibilità di esprimersi con un sermo cotidianus che rimane ancora di maggiore comprensione popolare, apparentemente incurante delle successive mediazioni intellettuali che il Cubismo ha imposto da sé stesso in poi. Anastasia, dunque, non vuole affatto mascherarsi in quello che non è, vuole solo capire per poter fare proprio, assimilando solo dopo aver adattato al proprio senso critico, al proprio modo di avvertire l’arte e il mondo. Nelle sue opere “retrocubiste”, per esempio, ho notato la lucidità con cui riconosce a Gino Severini, il più francese dei nostri avanguardisti storici, prima futurista militante, poi antesignano figurativo del rappel à l’ordre, di essere il più logico anello di congiunzione, non solo formale, fra le griglie sintetiche di Gleizes e Delaunay e un Futurismo alla Depero inteso come suprema decorazione universale. Un’interpretazione per niente scontata, anzi acuta e raffinata, che non può non suscitare rispetto per chi l’ha elaborata, dimostrandola con l’evidenza di un’invenzione artistica del tutto convincente in questo senso.

“La pintura del Maestro Antonio Anastasìa, en cualquier estilo, rima siempre con magia. Si la definición de la dimensión artística de un pintor hubiera de depender, además de la calidad de sus creaciones, de la cantidad de estilos, estilemas, módulos, rasgos distintivos, características gráficas, toques y retoques, evoluciones, esquemas, registros, partituras, elementos estilísticos, manierismos, tramas, segmentos, técnicas diversas, modos, actitudes, huellas y/o cifras y mil otras tonterías, entonces uno de los raros Maestros que pueda corresponder a la compleja dotación de todas estas partidas, y por quien puedo poner tranquilamente la mano en el fuego, lo reconozco inexorablemente en Antonio Anastasìa. En los veinte años en que lo he asistido, observado, estudiado, reseñado y reflexionado en diversos libros, catálogos y monografías, y expuesto en más de cien entre muestras y eventos, lo he visto proponerse en todos los estilos que conozco con tanta versatilidad que no me sorprendió que el propio Vittorio Sgarbi y el llorado Philippe Daverio subrayaran ambos que en ningún pintor italiano habían hallado la misma diligente destreza para expresar el estilo nada sencillo del Cubismo. El estilo cubista enfatiza la superficie plana y bidimensional del plano de la imagen, rechazando las técnicas tradicionales de perspectiva, escorzo, modelado y claroscuro y refutando las teorías tradicionales según las cuales el arte debería imitar la naturaleza. Pero la atención peculiar de los pintores cubistas se dirigía esencialmente a la parte técnica, empobreciendo la emotividad de la fantasía. Así como me he deleitado literalmente observando el cuadro recién propuesto por el Maestro Anastasìa, cualquiera que haga lo mismo no puede sino disfrutar de un relato logrado —aparte de la magia del color distribuido con la atención de un miniaturista consumado— con un esquema multitarea cuya fácil lectura la da la clave de sol que bautiza la musicalidad del conjunto, las curvilíneas que guiñan el ojo a la precisión de una construcción donde los movimientos, vueltos ilegibles por una fantasmagórica fantasía, dejan no obstante una huella matemática que se confía a logaritmos y teoremas pictóricos que no solo han evitado una temible confusión sino que, al contrario, expresan una dificilísima huella de elegancia general que seduce al observador. Inventar un juguete visual de este alcance arquitectónico comporta una genialidad creativa absolutamente rara y muy original en su intrigante decoración y su exuberante coloración.”

Gastone Ranieri Indoni

Crítico de arte, editor y curador

Recensione sull'opera «Composizione Libera» — 20.04.2026 · 2026

Extracto

“Al observar con atención las obras del Maestro Antonio Anastasia, uno queda fascinado por representaciones formales que se acercan a un cubismo refinado y razonado, donde vibra con fuerza una referencia a la corriente espacialista: las dos influencias se funden con naturalidad en un estilo original donde el color desempeña un papel clave. El artista utiliza a menudo formas circulares y curvilíneas donde el seco trazo negro del contorno se funde con una cromía límpida; los diferentes planos geométricos se atraviesan y compenetran evocando sugestiones abstractas pero también veladamente figurativas. Emociona al público con pinturas capaces de estimular la fantasía y evocar atmósferas mágicas: con un estilo informal de huella gestual mesurada, el artista demuestra dominar el elemento cromático con admirable maestría, invitando a quien observa a sumergirse en universos espaciales donde el tiempo parece no existir. La impresión general es la de un artista atentísimo al detalle, donde incluso la más pequeña zona pintada vive en función de un equilibrio compositivo global nacido para suscitar asombro. La pintura de Anastasia comunica de inmediato su incontenible energía creativa: los campos de color se suceden en un ritmo creciente alimentado por la inspiración del artista. Bellezas que cortan el aliento, singularidades sorprendentes que dejan boquiabierto, el resultado perfecto de una libertad expresiva que fluye espontáneamente: esa es la verdadera maravilla que se siente ante las obras aquí expuestas.”

ArtTime

Galerista y crítico de arte

Testo critico in occasione della mostra di Udine · 2025

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Extracto

“Manteniendo su pasión inicial por el Cubismo, el artista desarrolló, desde los años 70, una técnica más instintiva y emocional. Reconectando con la pintura Abstracta e Informal, realiza obras como «Maremoto», en la que la sabia aplicación de los esmaltes sintéticos crea efectos de verosimilitud casi naturalista. La fusión de los colores, dejados escurrir sobre la tabla, recuerda el Action Painting de Jackson Pollock y William Congdon, conservando una memoria figurativa que emerge sutilmente entre los tonos cromáticos. El torbellino de cromatismos evoca destellos de luz, salpicaduras de agua y cielos tormentosos que conducen al espectador hacia lugares desconocidos y a la vez familiares.”

Esposizione Triennale di Arti Visive di Roma

Catálogo, Complesso del Vittoriano

Catalogo della Triennale di Roma al Vittoriano · 2017

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Affascinato sin dall’infanzia dai colori che il padre, pittore e decoratore, amalgamava ogni giorno nel suo laboratorio, Antonio Anastasia ha scoperto la sua vocazione artistica in tenera età. Dopo aver conseguito il Diploma all’Istituto Statale d’Arte di Lecce, l’artista si è trasferito a Roma dove ha continuato gli studi all’Accademia di Belle Arti sotto l’egida di maestri d’eccellenza, quali Renato Guttuso, Francesco Gentilini, Piero Guccione e Mino Maccari. Pur mantenendo la sua iniziale passione per il Cubismo, l’artista ha sviluppato poi, sin dagli anni 70, una tecnica più istintiva ed emozionale. Riallacciandosi alla pittura Astratta ed Informale, egli realizza opere come “Maremoto”, nel quale la sapiente stesura degli smalti sintetici crea effetti di verosimiglianza quasi naturalistica. La fusione dei colori, lasciati colare sulla tavola, ricorda l’Action Painting di Jackson Pollock e William Congdon, pur mantenendo una memoria figurativa che emerge sottilmente tra i toni cromatici della tavola. In definitiva, il turbinio di cromatismi evoca lampi di luce, schizzi d’acqua e cieli tempestosi che conducono l’animo dello spettatore verso luoghi sconosciuti seppur familiari.

Extracto

“Las espléndidas y coloridísimas pinturas que jalonan la carrera de Antonio Anastasia, fruto de una gran virtuosidad técnica y de un absoluto dominio del color, son ellas mismas prueba del tránsito de la abstracción a la figuración y viceversa: a veces obras rigurosamente informales, fragmentos de negro, azul y gris iluminados por vivos destellos de amarillos, rojos y celestes, formas puras que flotan en un espacio infinito imaginario captado en el momento de su repentina explosión; a veces cuadros de nítida escansión geométrica que se remiten, sin ningún complejo de inferioridad, a la gran tradición del primer Cubismo de Picasso y Braque, revisado con el ojo efervescente de un Balla o de un Depero. En definitiva, es a la vez figurativo y abstracto, a veces delicado y poético, a veces cromática y dinámicamente violento, como si en él convivieran el doctor Jekyll y míster Hyde.”

Sergio Rossi

Profesor de Arte Moderno, Universidad La Sapienza de Roma

Esposizione Triennale di Arti Visive a Roma 2014, Giorgio Mondadori · 2014

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« Prese l’architetto, se io non erro, pure dal pittore gli architravi, le base, i frontespizi e simili tutte altre cose; e con regola e arte del pittore tutti i fabbri, scultori, ogni bottega e ogni arte si regge…però usai dire tra gli amici, secondo la sentenza de’ poeti, quel Narcisso convertito in fiore essere della pittura stato inventore; che già ove sia la pittura fiore d’ogni arte, ivi tutta la storia di Narcisso viene a proposito. Che dirai tu essere dipingere altra cosa che simile abbracciare con arte quella ivi superfice del fonte? ». Così scriveva Leon Battista Alberti nel suo Trattato sulla pittura del 1436. Ed è appunto alla “pittura” in ogni sua variazione stilistica che ha dedicato tutta la sua vita Antonio Anastasia, artista poliedrico e insieme appartato, si inserisce comunque a pieno titolo in quella tendenza alla riflessione sulle esperienze artistiche del passato che ha ormai conquistato tanti artisti contemporanei che vivono il ritorno al “dipingere” non come un qualcosa di passatista ma piuttosto come la risposta sempre attuale al bisogno di esprimersi connaturato in ogni essere umano.

Del resto oggi finalmente possiamo ricomporre il dualismo, troppo a lungo imperante, tra razionalità e fantasia, o per dirla con altre parole, tra ragione e sentimento, e riconoscere che non vi è alcuna incompatibilità tra questi termini e che anzi entrambi questi elementi sono necessari per la perfetta riuscita di un’opera d’arte. Ma oggi si è ricomposto anche l’altro grande elemento di contrasto che ha dominato l’estetica del Novecento, quello tra intellettualità e manualità, tra idea e prassi. Tramontata infatti la grande utopia dell’arte concettuale si è tornati ad apprezzare in un’opera d’arte, anche fotografica o di video-art, la cura fattuale o se si preferisce tecnica, con cui essa è eseguita, senza per questo nulla togliere al suo valore poetico.

Dunque il contrasto non è più tanto tra pittura e arte concettuale, tra figurativo e informale quanto tra arte colta e arte popolare, linguaggio comprensibile a tutti e linguaggio riservato a pochi, così come tra colui che sa fare arte, qualunque mezzo espressivo usi e colui che non sa farlo.

E i pregevoli e coloratissimi dipinti che scandiscono la carriera di Antonio Anastasia frutto di grande virtuosismo tecnico e assoluta padronanza cromatica, sono essi stessi prova dello sconfinamento dall’astrazione alla figurazione e viceversa, perché sono opere a volte rigorosamente informali, frammenti appunto, di nero, blu, grigio, illuminati da vividi bagliori di gialli, rossi, azzurri, pure forme fluttuanti in un immaginario spazio infinito colto nel momento della sua improvvisa esplosione; a volte invece sono dipinti di nitida scansione geometrica che si rifanno senza alcun complesso d’inferiorità, alla grande tradizione del primo Cubismo di Picasso e Braque rivisto però con l’occhio effervescente di un Balla o di un Depero, lasciando sempre, che la materia viva di una sua propria forza creativa, produca degli effetti cromatici e segnici a volta inattesi e che l’artista si limita a controllare e suggerire, ma non ad imporre.

Egli è in definitiva insieme figurativo e astratto, a volte delicato e poetico ed a volte cromaticamente e dinamicamente violento, come se in lui convivessero insieme il dott. Jeckill e mister Hyde, o meglio se entrambi si specchiassero in quella stessa fonte di Narciso citata all’inizio. Acutamente osserva Simone G. Pieralice:

“ Ogni opera di Anastasia porta con se le tracce di un passaggio attraverso luoghi, passioni, universi che sfociano nella narrazione di una dimensione sospesa tra realtà e immaginario. Mirabile il suo intenso lavoro artistico che sa cogliere e combinare, in linee e colori, messaggi a volte poetici e simbolici, a volte ricchi di un’espressività che scava nell’animo. La singolarità dei soggetti di Anastasia è ben evidente nella sua ultima produzione laddove i personaggi rappresentati si librano sul magma di una materia scomposta, a volte concepita per pluralità di colori che in accordo tra loro portano a una concretezza dell’immagine. L’identità viene così ricostruita per successive modificazioni di linee e nuove conclusioni formali – spaziali della composizione, emblematica a tal proposito è l’opera “ Forme nello Spazio” ed il ciclo di quadri di ispirazione Cubista e Futurista. Elementi che danno ossatura alle immagini, non casuali o estemporanei, ma parti di una cosciente addizione. Ognuna di queste tele raffigura un interno e complessivo equilibrio di segni e di forme, testimonianza d’una evidente e sensibile mediazione tra ordine e disordine. I dipinti nascono allora dalla complessità di un progetto-processo fondato su regola e irregolarità.

Triangolazioni nello spazio, forme convesse, linee, soluzioni geometriche il tutto espresso con un incontenibile tripudio di colori riflesso di un’anima solare e positiva, conseguenza ed esito della convinzione che l’arte possa avere quell’effetto taumaturgico e miracoloso finalizzato a lenire i dolori e le tristezze del secolo attuale.”

Entrando nello specifico di alcune delle sue opere più significative, inizierei dal bellissimo Giocatori di polo, dove quattro cavalieri si intersecano e si scontrano cubisticamente frazionati ma insieme nettamente distinguibili in un dipinto dove i riferimenti palesi a Delaunay e soprattutto al meno noto ma bravissimo Andrè Lothe e ai suoi Giocatori di rugby, questi riferimenti dicevo, non ci devono nemmeno distogliere, ancora una volta, dalle matrici italianissime del nostro Anastasia che risalgono niente di meno che al primo pittore cubista della storia dell’arte, ossia Paolo Uccello.

Scomposizioni di piani, giochi cromatici che si intersecano fra loro in una commistione equilibrata e armonica, una decostruzione della prospettiva in funzione di un annullamento dei canoni codificati dell’arte.

Piccoli tasselli che raccontano il narrato dell’opera scomposti e ricomposti come fossero anagrammi. Forse, come per i cubisti, anche in Anastasia c’è la volontà di indagare il rappresentato sotto diversi punti di vista, sotto ogni angolatura al fine di rendere l’opera una sorta di “esperimento scientifico” che con pennelli e colori passa al setaccio ogni forma dello scibile umano per sottoporlo all’analisi lenticolare dell’artista.

E ancora mi piace citare la nitida Composizione di frutta, come di un Caravaggio rivisto attraverso gli occhi di Casorati, un Casorati però più solare e mediterraneo; o ancora il più dinamico e verticale Immagini di vita in composizione. Cubismo e astrattismo quasi sconfinano, poi, nel musicalissimo Ritmo o in Forme nello Spazio, per ricomporsi infine nel solenne Omaggio a Severini. Un’ultima osservazione infine sulla presenza della figura umana nella maggior parte delle opere di Anastasia. L’uomo infatti è solo apparentemente assente, sta nell’altra stanza, o fuori dalla finestra, o dietro la curva di un sentiero, in attesa del momento della sua riappropriazione, attraverso l’insostituibile strumento della pittura.

Extracto

“En su taller, repleto de esmaltes y telas, pinta en el silencio de la mañana: solo él, el espacio para moverse, los esmaltes sintéticos y la superficie sobre la que dar vida a un pensamiento mediante el movimiento y la amalgama de los colores, guiados por la espátula y sus dedos — de donde nacen extraordinarios efectos cromáticos imposibles de lograr con el pincel. Su personalísimo Expresionismo Abstracto mezcla Abstracto, Informal, Dripping y Espacialismo: expresa su malestar ante una sociedad enferma, narrado solo a través del color, sin imágenes, en plena libertad.”

Eleonora Dusi

Curadora — Entrevista

Italia Sera — Rubrica «Armonia, Arte, Sport» · 2013

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Extracto

“«Future Emozioni» es un universo en expansión, un caleidoscopio de formas que se cruzan y se disuelven, de triángulos que se unen a cuadrados, de círculos que rozan trapecios en una sinfonía cromática sin descanso. Cada figura se descompone y se recompone en un ritmo incesante, como si el artista buscara traducir el código secreto de la realidad a través del lenguaje de las formas. Antonio no se limita a sugerir un orden geométrico, sino que empuja a buscarlo, a descubrirlo en el aparente caos, a reencontrar una armonía que está ahí, ante nuestros ojos, lista para revelarse. Resuena el rigor de Piet Mondrian, con la búsqueda de la perfección de la línea y del equilibrio entre formas y colores. Pero mientras Mondrian construye un orden severo, Antonio rompe la rigidez, dobla las geometrías, deja que los límites entre las figuras se disuelvan, como si la materia estuviera en perpetua transformación. Al mismo tiempo se percibe un eco de Wassily Kandinsky, con su idea de que la pintura abstracta puede traducir al lienzo el sonido del Universo. Las geometrías de Antonio se mueven y vibran en una armonía musical, en una danza de luz y de energía. El artista, con su extraordinario equilibrio entre rigor y libertad, nos muestra un mundo en el que las geometrías no son prisiones, sino puertas abiertas al infinito.”

Via Margutta — Mostra Collettiva

Crítico de arte profesional

Testo critico su «Future Emozioni» (olio su tela, 80 × 80 cm, 2018) — Roma, marzo · 2025

Entrevistas

Eleonora Dusi

Curadora — Roma

Italia Sera, sección «Armonia, Arte, Sport» — jueves 17 de enero de 2013

El apartamento está en un complejo residencial histórico, de los típicos del barrio Prati de Roma, con su patio interior cuidado, las plantas y las bicicletas con cesta. En ese apartamento hay un estudio de artista. Así que, recapitulando: una casa entre casas, la hora del almuerzo, los despachos de contables, abogados y notarios, la consulta de algún dentista — y un pintor. Que me abre la puerta sonriendo y me hace sentar enseguida en su estudio, en ese rincón contenido y discreto donde tiene el caballete y los colores. Un estudio con todas las de la ley: los botes con los pinceles, los tubos de pintura y la paleta manchada. El olor a óleo y trementina del lienzo en curso.

Antonio Anastasia me intriga porque empezó a pintar de joven, a principios de los años 60, y ya en 1968 exponía unas cuarenta obras en su primera individual en Maglie, en el círculo cultural «Friends Club»; después, por causas de fuerza mayor, se dedicó sobre todo al diseño gráfico — casi exclusivamente para Alitalia, donde era responsable del proyecto ICARUS de cartografía automatizada, contribuyendo a dar prestigio a nivel europeo a nuestra aerolínea de bandera. Me detengo y le digo: ¡esta es tu obra más importante!, señalando una. Y él me dice que sí, pero la obra que más aprecia, aunque no sea la más importante, y quizá la nunca expuesta y menos a la vista, es «L’amore perduto» (A mi esposa), una esfera amarilla entre los colores. Como están dedicados a su esposa aquel abstracto feliz, «Pensiero d’Amore», «Primavera a Pallottini» y «Composizione musicale con fiori tropicali». Un recuerdo doloroso, que fue sin embargo el impulso para refugiarse con toda el alma en la pintura, su verdadera profesión, y retomar con ímpetu la búsqueda de una nueva técnica pictórica iniciada en los años 70. Su personalísimo «Expresionismo Abstracto», una mezcla de Abstracto, Informal, Dripping y Espacialismo. Busca a menudo expresar todo su malestar hacia una sociedad enferma, pero contado solo y exclusivamente a través del color, sin imágenes, en plena libertad. A esto llegó solo después de muchos años de investigación y lienzos destruidos, y una intuición que resultó ganadora tras una noche en vela y muchísimas pruebas.

Me cuenta que durante la ejecución de una obra Abstracta (que produce solo en su casa de campo por el espacio) se abstrae, se aísla, ningún contacto. En su taller repleto de esmaltes y lienzos, en el silencio matutino, pinta: está solo él, mucho espacio para moverse alrededor, los esmaltes sintéticos y la superficie sobre la que dar vida a un pensamiento, una idea, mediante el movimiento y la amalgama de los colores guiados por la espátula y sus dedos, que dan origen a esos admirados efectos cromáticos extraordinarios, imposibles de lograr con el pincel.

Hay mucho orden en su estudio de Roma, como en toda la «casa galería». Sus obras están por todas partes, colgadas y apiladas en cada habitación, también las ejecutadas directamente sobre vidrio, que representan el comienzo de la investigación abstracta, que sin duda lo caracterizan y, más que todas, las que le gusta llamar «cubistas/futuristas»: lienzos divididos geométricamente en los que no, no hay un verdadero cubismo. La forma no se «abre» sobre el plano sino que se segmenta, más bien, en zonas de distinta cromía, con un uso fascinante y pleno, compacto, de los colores primarios. Cada espacio está lleno. Todo esto suena agradable, mientras veo por fin en persona sus obras cubistas/futuristas.

«¿Por qué llamas a las naturalezas muertas “Composizione di natura morta” o “Composizione musicale con fiori tropicali”, “Composizione con edera”? ¿Por qué este término “composición”?», le digo yo.

«Porque los objetos están colocados en un espacio fingido; decido la escena como un director y los retrato. Soy yo quien junta instrumentos musicales y flores. De otro modo, en la naturaleza, esta combinación no existiría.» La palabra «con» se pone cuando en la composición hay un elemento vivo. La linealidad de esta lógica desconcierta. Como también lo hacen algunas viejas pinturas de juventud. Brutalmente simples, vagamente elementales, pero entusiastas, felices. Los atardeceres, los de los poetas.

«Sí, pero», continúo yo mientras aplazo su amable invitación a almorzar juntos, «¿cuáles son las obras que realmente te representan? ¿Cuáles, aquellas de las que podrías decir: “este soy yo”?»

Estas, me dice mientras señala un gran panel en el pasillo. Es un panel amplio, de unos tres metros de alto y ciento veinte centímetros de ancho, con sus colores, los que lo distinguen: un cierto azul, un cierto amarillo ocre, los verdes, los rojos, los naranjas. Cubista/Futurista, aglomera símbolos, objetos y animales de bestiario medieval. Y astros, planetas, un ordenador, una composición de naturaleza muerta, una ventana abierta a un atardecer colinar, ruedas de engranajes mecánicos que representan el trabajo, tubos de colores y el rostro de la esfinge. Me lo explica pacientemente mientras yo deambulo, desconcertada. En la práctica el panel representa arriba el cielo, en el centro las cosas terrenales, abajo un atisbo de vida en el mar — donde se cruzan presente y pasado.

«Ahí está. Esto es lo que soy yo.» ¿Cómo se llama?, le digo a mi vez. «Immagini di vita in composizione» (Imágenes de vida en composición). Sonrío. «Aquí también hay una composición.»

La obra más representativa, que le ha dado muchísimas satisfacciones en los concursos de pintura, es «Giocatori di Polo» (Jugadores de polo). Le gusta que se trate de figuras en una suma convulsa: los músculos de los caballos, los brazos de los jugadores. Pero no hay, en absoluto, ningún movimiento. Hay, más bien, fluidez y linealidad, suavidad. Un ímpetu que serena. Porque quien mira un partido de polo no mira una carga de caballería en batalla: mira un espectáculo divertido sobre un prado. Otros jugadores de polo de la historia — los de Renato Birolli, del movimiento Corrente, casi en reposo; y también los de Gen Paul, esos sí convulsos y fagocitantes, devoradores de aire y espacio. Al mirar Jugadores de polo, me viene a la mente que en Anastasia hay casi un deseo infantil de soltar las riendas, tras casi una vida produciendo cartas aeronáuticas y trabajando de grafista. Pintando por oficio. La creatividad siempre está, en un trabajo como este, me dice mostrándome algo, y los trabajos que observo son de gran valor. Todos a mano, ejecutivos para la imprenta con el graphos, cuando la gráfica publicitaria se hacía así. Como artesanos, con témpera y aerógrafo. Los folletos, las decoraciones, incluso los sellos se dibujaban a mano, como esos tres para el concurso del vigésimo quinto aniversario de Alitalia que saca de una carpeta.

«¿Quieres hacerte famoso?», le suelto, por jugar. «Enriquecerme pintando no es mi deseo principal, si es eso lo que quieres decir.» Sonríe, sagaz. «Vender un cuadro a veces es algo que me entristece, es como si una parte de mí se fuera.» Muchas obras las considero hijos míos que nunca daré. No malvenderías una obra tuya, le pregunto afirmando. Niega con la cabeza. Luego se pone serio y me dice: «Pinto porque tengo una necesidad vital de hacerlo.» Cuenta en voz baja que las ideas le vienen a menudo de improviso, del pensamiento de algunos acontecimientos o de sueños que corre a apuntarse incluso de noche. Se me ocurre que algunos directores de cine hacen lo mismo. Nos decimos todo esto mientras hojeamos los muchos catálogos y revistas que lo acogen y rebuscamos entre los carteles: la Bienal Internacional de Roma de 2012, Turín, Colonia, Miami con Art River y, precisamente en estos días, la Bienal de Palermo.

De hecho me encuentro con un artista de impulso polifacético que, como corresponde a un artista, está en continua búsqueda de nuevas experimentaciones técnicas. Me sorprende la diferencia de estilo y técnica entre las obras sobre vidrio y las demás. Hay algo misterioso en estas manchas de color denso y transparente. Lo que parece es que son impresiones de color que quedaron ahí a sedimentarse. Algo que encontró un lugar sobre ese vidrio y se deshidrató lentamente. Hay opacidad, profundidad y misterio. Las que veo en persona son obras de pequeñas dimensiones, como máximo 40×50. Estoy acostumbrada a no sorprenderme si un artista diversifica considerablemente su producción. En todos hay una dualidad.

«Todos tenemos algo más secreto», me dice él. «Algo menos vivaz que los Jugadores de polo.» Asiento.

Gastone Ranieri Indoni

Crítico de arte, galerista, editor y curador

Abril de 2021 — publicada en la revista de arte bimestral «FMS»

Gastone Indoni: Hola Antonio, somos amigos desde hace mucho tiempo y conozco tu arte, que he escudriñado en todos los estilos que has sido capaz, como pocos, de proponer; hoy, como amigo y no como crítico, quiero hacerte las preguntas que me sugiere la más simple complicidad: cuéntame cómo y por qué naciste y te hiciste artista.

Antonio Anastasia: Bueno, sabes, desde chico tuteé a los colores. Siempre: en el taller de mi padre, artesano, pintor y decorador, me quedaba embelesado observando, y lo admiraba por cómo conseguía los colores necesarios, con qué habilidad mezclaba los esmaltes sintéticos o preparaba los temples que repartía a sus operarios para los distintos trabajos. No te oculto que a menudo, seguro de la prolongada ausencia de mi padre, huésped inadvertido, me colaba para probar las primeras dosificaciones que luego, entonces del todo ajeno, se convertirían con el tiempo en el principal objetivo de mis inagotables investigaciones. Sabes, en 1955 los distintos tonos se obtenían a mano calibrando en el blanco los colores principales y aquella mezcla inicial era estupenda; al girar el pincel dentro del recipiente se formaba, antes de la amalgama final, un torbellino de colores hecho primero de vetas regulares, luego de mallas más amplias, hasta adquirir el tono deseado con solo alguna pequeña corrección más. Aquel torbellino cromático entró enseguida en mi torrente sanguíneo y ya nunca me abandonó.

Gastone Indoni: ¿Un efecto tan visceral, incluso?

Antonio Anastasia: He vivido y aún hoy vivo analizando y conjugando todas las infinitas cromías armónicas del color y todos esos matices que exaltan el claroscuro, las sombras y los volúmenes. En verano, durante las vacaciones escolares, iba con los operarios expertos y aprendía el «oficio»: falsos mármoles, falsos papeles pintados que, recuerdo, se obtenían con rodillos de goma luego retocados a mano, finas líneas de color para crear falsas molduras en iglesias o palacios señoriales, etcétera. Toda aquella experiencia, acumulada hasta los 18 años, contribuyó a mi madurez artística y a conformar la intuición para las obras Abstractas. Una irrefrenable voluntad de nuevas y múltiples investigaciones cromáticas derivó y nació precisamente de aquel recuerdo, luego afinado en las décadas siguientes.

Gastone Indoni: Primeras experiencias con tu padre, entrenamiento con los operarios y, por supuesto, el estudio; pero ¿quién influyó y quizá personalizó tu pintura?

Antonio Anastasia: A pesar de mis cuatro años en la Academia de Bellas Artes de Roma dibujando desnudos (1965/1969) con los maestros Guttuso, Gentilini y Maccari, nunca me atrajo lo figurativo, no es mi género, solo algún paisaje y atardecer porque están llenos de colores; pero no me realizaba, no me sentía del todo libre ni creativo. Admiraba, sí, los trazos decididos de Guttuso y sus colores vivos, pero prefería algunas obras de Gentilini, que sentía más cercanas a mis bocetos decorativos y creativos hechos en el Instituto de Arte de Lecce (1963/1965). En mí siempre prevaleció la fantasía decorativa y compositiva, por lo que me atraían las obras Cubistas y Futuristas de grandes maestros como Picasso, Severini, Braque, Boccioni, Tato, Balla y otros. Adopté naturalmente, en consecuencia, aquella corriente artística adaptándola a mi gusto y a mi personalidad, aun admirando la fuerza expresiva de las pinceladas de Van Gogh y de tantos ilustres Macchiaioli e Impresionistas.

Gastone Indoni: ¿No sufriste, entonces, un particular embrujo arrastrador ni adoptaste un timbre particular sugerido?

Antonio Anastasia: Obviamente adquirí una imponente miscelánea de sugerencias y connotaciones que, sin embargo, debía necesariamente personalizar, persiguiendo inexorablemente esa cifra instintiva de la que hablas, que me hiciera sentir dueño exclusivo de una firma estilística. Por desgracia, tras la primera individual de 1968 en mi ciudad natal con 39 obras, apenas veinteañero, me trasladé a Roma para terminar los estudios en la Academia. Enseguida se abrieron escenarios interesantes y trabajaba con un entusiasmo indecible. Al poco tiempo, ya sabes cómo puede sorprenderte la vida, al no poder rechazar un encargo determinante, me vi obligado a eludir importantes eventos artísticos nacionales e internacionales, que retrasaron mi colocación en el mercado, alcanzada luego más tarde. Empecé a estar presente y a participar con asiduidad en diversas muestras nacionales e internacionales, constatando con satisfacción un notable aprecio por parte de críticos que me eran desconocidos. En esencia perdí los mejores años y no pude cultivar amistades artísticas, siendo además bastante reservado, cosa que creo que me perjudicó sin duda en un campo ya de por sí tan difícil.

Gastone Indoni: Por eso asimilaste una vehemente fuerza camaleónica que te permitió reproponer los estilos de cualquiera, como el propio Vittorio Sgarbi te reconoció analizando y maravillándose de tu perfecto cubismo.

Antonio Anastasia: Ciertamente. Aquel aprender de tantos grandes maestros y las enormes ganas de emularlos, teniendo siempre presente mi personalidad, me fue indicando poco a poco el camino que luego emprendí, decidiendo convencido cuál sería mi recorrido final.

Gastone Indoni: ¿Qué pasó, cómo y cuándo?

Antonio Anastasia: En 1970, aun continuando a pintar obras PostCubistas, como demuestran las recientísimas de 2020, sentí con fuerza la necesidad de experimentar técnicas para dar rienda suelta a mi más íntima creatividad; quería transferir al lienzo, con inmediatez y síntesis ilustrativa, mis múltiples pensamientos, o una emoción, acontecimientos naturales ocurridos, aquellos que reclaman atención social, y por qué no los sueños, para planear también sobre el surrealismo; y luego el cosmos, la fantasía de género, quizá con el solo uso del color, temas exentos y lejanos de formas definidas, con la ayuda de las solas manos y sin el auxilio de los pinceles.

Gastone Indoni: Un período de pleno furor creativo, clásica referencia inconsciente típica de los creativos naturales y febriles que arriban a playas que abandonan enseguida para…

Antonio Anastasia: Así que empecé a probar primero con temples sobre vidrio para pasar gradualmente, sobre lienzo y madera, a los esmaltes sintéticos de memoria paterna, y esto me ayudó a proseguir en la afanosa búsqueda. Los efectos empezaban a ser satisfactorios, pero solo con el tiempo y con la constante e infinita investigación encontré el «quid genial» para lograr amalgamar de manera absoluta los esmaltes sintéticos, muy difíciles de tratar. En el acto creativo de estas obras me abstraigo por completo del mundo que me rodea y, en el silencio de mi casa de campo, mientras comienzo a extender los esmaltes, siempre llega un momento en que la fantasía toma el mando, la mano corre veloz para que el color no se seque, hasta hallar las más inexploradas alquimias cromáticas.

Gastone Indoni: Llega el clásico momento catártico que has rozado toda una vida y de cuyo centro has dado por fin con el punto exacto.

Antonio Anastasia: El resultado se traduce en increíbles y fantásticas imágenes, formas imaginativas y surreales, a menudo auténticos destellos de luz que proyectan un Universo fascinante y misterioso. ¡Una alegría colmante! A menudo ocurre que la amalgama no me satisface, y entonces no lo pienso dos veces: la borro y vuelvo a intentarlo más tarde. El observador, una vez terminada la obra, se encuentra ante una explosión de colores tal que genera curiosidad y lo absorbe hasta el punto de que él mismo puede imaginar y vislumbrar formas, como ocurre en el cielo con las nubes. Pero el título de la obra suele hacer de sugerencia-guía.

Gastone Indoni: ¿Y el vínculo con tus obras? ¿Arrepentimientos, ripensamientos, celos?

Antonio Anastasia: Siendo sincero, soy celoso de la mayoría de mis trabajos; nunca he malvendido una obra, quizá porque afortunadamente no he tenido la necesidad; son como mis hijos y me separo de ellas con pesar. Cuido cada obra con infinito amor y, antes de firmarla, la veo y la observo durante días buscando pacientemente el detalle que falta, tal vez en exceso. A muchos les parecerá extraño, pero casi todas me representan pese a su diversidad, tanto las PostCubistas, más razonadas y cuidadas, que dejo decantar durante meses en el caballete, como las Abstractas, en las que pongo el alma y el instinto, mi sentimiento, y libero toda la creatividad y la pasión por el color. Me alegra cuando un visitante, durante una muestra, se acerca intrigado, impactado por la cromaticidad, a una obra mía abstracta y pregunta su significado: luego, al leer el título y escuchar lo que quise representar, comprende y aprueba felizmente la temática. Para mí eso ya es un éxito nada pequeño: significa que, aun siendo abstracta, ha sido comprendida positivamente.

Gastone Indoni: ¿Cómo te enfrentas a las dificultades del artista hoy?

Antonio Anastasia: Vivimos tiempos nada fáciles desde hace bastantes años, el mercado está invadido por artistas de todo tipo; algunos son profesionales muy buenos, muchísimos son advenedizos que no encajan en absoluto en el justo cliché del artista y que, mientras engordan los bolsillos de muchos galeristas y organizadores de muestras sin valor, perturban la información del mercado, que sufre al estar falseada por ofertas ridículas. Por no hablar de las Instituciones que, por el simple hecho de estar politizadas, no siguen una selección meritoria, desmintiendo cada vez más al público sin crear una discontinuidad artística veraz y útil. Todo es negocio concebido y organizado para el Dios dinero. En muchos eventos y muestras de arte contemporáneo advierto obras y/o instalaciones que en mi opinión tienen poco o nada de artístico y sin embargo son admirablemente reseñadas por una crítica servil. Espero que algún día las Instituciones, quizá gestionadas por quien entiende de arte, inviertan con decisión en cultura y arte en lugar de derrochar miles de millones en vergonzosos teoremas clientelares.

Gastone Indoni: Un «J'accuse» el tuyo que Zola aplaudiría…

Antonio Anastasia: A este propósito, antes de concluir, permíteme reconocerte una especie de rara excepción que quizá, como dices tú, no te viene por mérito sino por la pasión que siempre has volcado en tu trabajo; pienso que tu trayectoria, tu pasado artístico que te vio dirigir, como pintor, un importante Taller que servía a grandes comitentes, vivir en carne propia experiencias de artista, gestionar una miríada de muestras como curador y galerista, y ser editor atento a la calidad y respetuoso con maestros y emergentes meritorios, te ha enriquecido con una experiencia tal que te inculcó, junto con tu carácter, un enfoque muy distinto del común que, por lo que a mí respecta, ha sido ejemplar.

Gastone Indoni: Te detengo, Maestro: ¿crees que la estima y la amistad que nos unen deban ser parte integrante de esta entrevista?

Antonio Anastasia: ¡Claro! Lo nuestro ha sido una charla amistosa, ¿no? Entonces, si desde toda una vida escribes críticas y reseñas para mí, cuando te dirijo un justo reconocimiento, confirmado también por el éxito que cosecha tu trabajo de bloguero, por no hablar de la espléndida revista, no podrá considerarse en absoluto una lisonja interesada. Es más, ¿sabes lo que te digo? Bañemos este encuentro; vamos a comer unos espaguetis, ¡Gastò!

Prensa y publicaciones

Una selección de portadas, catálogos y anuarios de arte en los que figura el artista.