Kritische Texte

Die Wohnung liegt in einem historischen Wohnkomplex, wie er typisch ist für das römische Viertel Prati, mit gepflegtem Innenhof, Pflanzen und Fahrrädern mit Körbchen. In dieser Wohnung befindet sich ein Künstleratelier. Also, zusammengefasst: ein Haus unter Häusern, Mittagszeit, die Kanzleien von Steuerberatern, Anwälten und Notaren, die Praxis irgendeines Zahnarztes — und ein Maler. Er öffnet mir lächelnd die Tür und lässt mich sogleich in seinem Atelier Platz nehmen, in jener zurückhaltenden, diskreten Ecke, wo er Staffelei und Farben hat. Ein Atelier, wie es sich gehört: die Gläser mit den Pinseln, die Farbtuben und die verschmierte Palette. Der Geruch von Öl und Terpentin der Leinwand in Arbeit.

Antonio Anastasia weckt meine Neugier, denn er begann schon als Junge zu malen, Anfang der 1960er-Jahre, und stellte 1968 bereits an die vierzig Werke in seiner ersten Einzelausstellung in Maglie im Kulturzirkel „Friends Club“ aus; danach widmete er sich aus Gründen höherer Gewalt vorwiegend der Grafik — fast ausschließlich für Alitalia, wo er das Projekt ICARUS für automatisierte Kartografie leitete und dazu beitrug, unserer nationalen Fluggesellschaft auf europäischer Ebene Ansehen zu verschaffen. Ich unterbreche ihn und sage: Das ist dein wichtigstes Werk — und zeige auf eines! Und er sagt ja, aber das Werk, an dem ihm am meisten liegt, auch wenn es nicht das wichtigste ist, und vielleicht das nie ausgestellte und am wenigsten sichtbare, ist „L’amore perduto“ (Für meine Frau), eine gelbe Kugel zwischen den Farben. Wie auch seiner Frau gewidmet sind jenes glückliche Abstrakte, „Pensiero d’Amore“, „Primavera a Pallottini“ und „Composizione musicale con fiori tropicali“. Eine schmerzhafte Erinnerung, die jedoch der Anstoß war, sich mit ganzer Seele in die Malerei zu flüchten, seinen wahren Beruf, und die in den 70er-Jahren begonnene Suche nach einer neuen Maltechnik mit Schwung wieder aufzunehmen. Sein ganz persönlicher „Abstrakter Expressionismus“, eine Mischung aus Abstraktem, Informel, Dripping und Spazialismus. Oft versucht er, sein ganzes Unbehagen gegenüber einer kranken Gesellschaft auszudrücken, aber allein und ausschließlich durch die Farbe erzählt, ohne Bilder, in völliger Freiheit. Dazu gelangte er erst nach vielen Jahren der Forschung und zerstörten Leinwänden und einer Eingebung, die sich nach einer schlaflosen Nacht und unzähligen Versuchen als erfolgreich erwies.

Er erzählt mir, dass er sich bei der Ausführung eines abstrakten Werkes (das er nur in seinem Landhaus wegen des Platzes schafft) abkapselt, sich isoliert, kein Kontakt. In seinem mit Lacken und Leinwänden vollgestopften Atelier malt er in der morgendlichen Stille: Da ist nur er, viel Raum, um sich zu bewegen, die Synthetiklacke und die Fläche, auf der ein Gedanke, eine Idee Gestalt annimmt durch die Bewegung und die Verschmelzung der Farben, geführt von Spachtel und Fingern, woraus jene bewunderten außergewöhnlichen Farbeffekte entstehen, die mit dem Pinsel nicht zu erzielen sind.

In seinem römischen Atelier herrscht viel Ordnung, wie im ganzen „Galerie-Haus“. Seine Werke sind überall, in jedem Zimmer aufgehängt und gestapelt, auch jene, die direkt auf Glas ausgeführt wurden und den Beginn seiner abstrakten Forschung darstellen und ihn sicherlich kennzeichnen — und, mehr als alle, jene, die er gern „kubistisch/futuristisch“ nennt: geometrisch unterteilte Leinwände, in denen nein, es gibt keinen echten Kubismus. Die Form wird nicht in die Fläche „geöffnet“, sondern vielmehr in Zonen verschiedener Farbigkeit segmentiert, mit einem faszinierenden, vollen, kompakten Einsatz der Primärfarben. Jeder Raum ist gefüllt. Das alles klingt angenehm, während ich seine kubistisch/futuristischen Arbeiten endlich im Original sehe.

„Warum nennst du die Stillleben ‚Composizione di natura morta‘ oder ‚Composizione musicale con fiori tropicali‘, ‚Composizione con edera‘? Warum dieser Begriff ‚Komposition‘?“, frage ich ihn.

„Weil die Gegenstände in einem vorgetäuschten Raum platziert sind; ich bestimme die Szene wie ein Regisseur und porträtiere sie dann. Ich bin es, der Musikinstrumente und Blumen zusammenstellt. Sonst gäbe es diese Zusammenstellung in der Natur nicht.“ Das Wort „con“ (mit) wird gesetzt, wenn die Komposition ein lebendiges Element enthält. Die Geradlinigkeit dieser Logik ist verblüffend. Wie auch einige alte Jugendbilder: brutal einfach, vage elementar, aber begeistert, glücklich. Sonnenuntergänge, wie die der Dichter.

„Ja, aber“, fahre ich fort und verschiebe seine freundliche Einladung zum gemeinsamen Mittagessen auf später, „welches sind die Werke, die dich wirklich repräsentieren? Welche, von denen du sagen könntest: ‚Das bin ich‘?“

Diese, sagt er und zeigt auf eine große Tafel im Flur. Es ist eine breite Tafel, etwa drei Meter hoch und einhundertzwanzig Zentimeter breit, in seinen Farben, denen, die ihn auszeichnen: ein bestimmtes Blau, ein bestimmtes Ockergelb, die Grüns, die Rots, die Oranges. Kubistisch/futuristisch, versammelt sie Symbole, Gegenstände und Tiere eines mittelalterlichen Bestiariums. Und Gestirne, Planeten, einen Computer, eine Stilllebenkomposition, ein offenes Fenster auf einen Sonnenuntergang über Hügeln, Zahnräder mechanischer Getriebe als Sinnbild der Arbeit, Farbtuben und das Gesicht der Sphinx. Er erklärt es mir geduldig, während ich verwirrt umherstreife. Im Grunde stellt die Tafel oben den Himmel dar, in der Mitte die irdischen Dinge, unten einen Hauch von Leben im Meer — wo sich Gegenwart und Vergangenheit kreuzen.

„Genau. Das bin ich.“ Wie heißt sie?, frage ich zurück. „Immagini di vita in composizione“ (Bilder des Lebens in Komposition). Ich lächle. „Auch hier gibt es eine Komposition.“

Das repräsentativste Werk, das ihm bei Malwettbewerben große Genugtuung bereitet hat, ist „Giocatori di Polo“ (Polospieler). Es gefällt ihm, dass es sich um Figuren in einer konvulsivischen Summe handelt: die Muskeln der Pferde, die Arme der Spieler. Aber es gibt überhaupt keine Bewegung. Es gibt eher Fluss und Linearität, Weichheit. Ein Schwung, der beruhigt. Denn wer ein Polospiel betrachtet, sieht keinen Kavallerieangriff in der Schlacht: Er sieht ein vergnügliches Schauspiel auf einer Wiese. Andere Polospieler der Geschichte — jene von Renato Birolli aus der Bewegung Corrente, fast in Ruhe; und auch die von Gen Paul, die wirklich konvulsivisch und verschlingend sind, Luft- und Raumfresser. Beim Betrachten der Polospieler kommt mir in den Sinn, dass in Anastasia fast ein kindliches Verlangen steckt, die Zügel abzustreifen, nach fast einem Leben des Produzierens von Luftfahrtkarten und der Arbeit als Grafiker. Berufsmäßig zu malen. Kreativität gibt es in einer solchen Arbeit trotzdem immer, sagt er mir und zeigt mir etwas, und die Arbeiten, die ich betrachte, sind vortrefflich. Alles von Hand, druckfertig mit dem Graphos, als Werbegrafik noch so gemacht wurde. Von Handwerkern, mit Tempera und Airbrush. Broschüren, Verzierungen, sogar Briefmarken wurden von Hand gezeichnet, wie jene drei für den Wettbewerb zum 25-jährigen Bestehen von Alitalia, die er aus einer Mappe zieht.

„Willst du berühmt werden?“, werfe ich ihm scherzhaft hin. „Mein vorrangiger Wunsch ist es nicht, durch Malen reich zu werden, wenn du das meinst.“ Er lächelt verschmitzt. „Ein Bild zu verkaufen stimmt mich manchmal traurig, es ist, als ginge ein Teil von mir fort.“ Viele Werke betrachte ich als meine Kinder, die ich nie hergeben werde. Du würdest keines deiner Werke verschleudern, frage ich bekräftigend. Er schüttelt den Kopf. Dann wird er ernst und sagt: „Ich male, weil ich ein vitales Bedürfnis danach habe.“ Mit leiser Stimme erzählt er, dass ihm die Ideen oft plötzlich kommen, beim Gedanken an bestimmte Ereignisse oder aus Träumen, die er auch nachts eilig notiert. Mir fällt ein, dass manche Regisseure es genauso machen. Wir sagen uns all das, während wir die vielen Kataloge und Zeitschriften durchblättern, die ihn beherbergen, und zwischen den Plakaten stöbern: die Internationale Biennale von Rom 2012, Turin, Köln, Miami mit Art River und, gerade in diesen Tagen, die Biennale von Palermo.

Tatsächlich habe ich es mit einem Künstler vielseitigen Impulses zu tun, der, wie es einem Künstler zusteht, ständig auf der Suche nach neuen technischen Experimenten ist. Mich verblüfft der Unterschied in Stil und Technik zwischen den Arbeiten auf Glas und den anderen. Es liegt etwas Geheimnisvolles in diesen Flecken dichter, transparenter Farbe. Es scheint, als seien es Farbeindrücke, die dort zum Absetzen zurückgeblieben sind. Etwas, das auf diesem Glas einen Platz gefunden hat und langsam ausgetrocknet ist. Da ist Opazität, Tiefe und Geheimnis. Die, die ich im Original sehe, sind Werke kleiner Maße, höchstens 40×50. Ich bin es gewohnt, mich nicht zu wundern, wenn ein Künstler sein Schaffen beträchtlich diversifiziert. In allen steckt eine Dualität.

„Wir alle haben etwas Geheimeres“, sagt er mir. „Etwas weniger Lebhaftes als die Polospieler.“ Ich nicke.

Gastone Indoni: Hallo Antonio, wir sind seit langem befreundet und ich kenne deine Kunst, die ich in allen Stilen durchforscht habe, die du wie nur wenige vorzulegen vermochtest; heute möchte ich dir als Freund und nicht als Kritiker Fragen stellen, die mir die schlichteste Komplizenschaft eingibt: Erzähl mir, wie und warum du als Künstler geboren und zum Künstler geworden bist.

Antonio Anastasia: Nun, weißt du, schon als kleiner Junge war ich mit den Farben per du. Immer: In der Werkstatt meines Vaters, eines Handwerkers, Malers und Dekorateurs, war ich beim Zuschauen verzaubert, und ich bewunderte, wie er die nötigen Farben erzielte, mit welchem Geschick er Synthetiklacke mischte oder die Temperafarben anrührte, die er seinen Arbeitern für die verschiedenen Aufträge austeilte. Ich verhehle dir nicht, dass ich mich oft, sicher der langen Abwesenheit meines Vaters, als unbemerkter Gast hineinschlich, um die ersten Dosierungen auszuprobieren, die dann, mir damals völlig unbewusst, im Lauf der Zeit zum Hauptziel meiner unerschöpflichen Forschungen werden sollten. Weißt du, 1955 wurden die verschiedenen Töne von Hand erzielt, indem man die Hauptfarben ins Weiß dosierte, und dieses anfängliche Mischen war herrlich; wenn man mit dem Pinsel im Behälter rührte, entstand vor der endgültigen Verschmelzung ein Farbwirbel, zunächst aus regelmäßigen Streifen, dann aus weiteren Maschen, bis er mit nur ein paar kleinen Korrekturen den gewünschten Ton annahm. Dieser Farbwirbel ging mir sofort ins Blut über und hat mich nie wieder verlassen.

Gastone Indoni: Wirklich so ein viszeraler Effekt?

Antonio Anastasia: Ich habe gelebt und lebe noch heute, indem ich all die unendlichen harmonischen Farbtöne der Farbe analysiere und verbinde, und all jene Nuancen, die Hell-Dunkel, Schatten und Volumen steigern. Im Sommer, in den Schulferien, ging ich mit den erfahrenen Arbeitern mit und lernte das „Handwerk“: falsche Marmorierungen, falsche Tapeten, die man, wie ich mich erinnere, mit Gummiwalzen erzielte und dann von Hand nachbesserte, feine Farblinien, um falsche Rahmen in Kirchen oder herrschaftlichen Palästen zu schaffen usw. All diese bis zum Alter von 18 Jahren gesammelte Erfahrung trug zu meiner künstlerischen Reife bei und formte die Intuition für die abstrakten Werke. Ein unbezähmbarer Wille zu neuen und vielfältigen Farbforschungen leitete sich genau aus dieser Erinnerung ab und entstand daraus, später in den folgenden Jahrzehnten verfeinert.

Gastone Indoni: Erste Erfahrungen beim Vater, Training mit den Arbeitern und natürlich das Studium; aber wer hat deine Malerei beeinflusst und vielleicht geprägt?

Antonio Anastasia: Trotz meiner vier Jahre an der Akademie der Schönen Künste in Rom, in denen ich Akte zeichnete (1965/1969), bei den Meistern Guttuso, Gentilini und Maccari, fühlte ich mich nie vom Figurativen angezogen, es ist nicht mein Genre, nur ein paar Landschaften und Sonnenuntergänge, weil sie voller Farben sind; aber ich verwirklichte mich darin nicht, ich fühlte mich weder ganz frei noch kreativ. Ich bewunderte zwar Guttusos entschlossene Striche und lebhafte Farben, zog aber einige Werke Gentilinis vor, die ich meinen dekorativen und kreativen Entwürfen am Kunstinstitut von Lecce (1963/1965) näher fühlte. In mir hat stets die dekorative und kompositorische Fantasie überwogen, weshalb mich die kubistischen und futuristischen Werke großer Meister wie Picasso, Severini, Braque, Boccioni, Tato, Balla und anderer anzogen. Folglich habe ich diese künstlerische Strömung ganz natürlich aufgegriffen und meinem Geschmack und meiner Persönlichkeit angepasst, während ich zugleich die Ausdruckskraft der Pinselstriche Van Goghs und vieler berühmter Macchiaioli und Impressionisten bewunderte.

Gastone Indoni: Du hast also keinen besonders mitreißenden Zauber erlebt und keinen bestimmten vorgeschlagenen Klang übernommen?

Antonio Anastasia: Natürlich habe ich ein imposantes Sammelsurium an Anregungen und Konnotationen aufgenommen, die ich aber zwangsläufig persönlich machen musste, wobei ich unerbittlich jene instinktive Handschrift verfolgte, von der du sprichst und die mich als alleinigen Herrn eines stilistischen Zeichens fühlen ließ. Leider zog ich nach der ersten Einzelausstellung im fernen Jahr 1968 in meiner Geburtsstadt mit 39 Werken, kaum zwanzigjährig, nach Rom, um mein Studium an der Akademie abzuschließen. Sofort eröffneten sich interessante Szenarien und ich arbeitete mit unsagbarer Begeisterung. Nach einer Weile — du weißt, wie das Leben einen überraschen kann —, da ich einen entscheidenden Auftrag nicht ablehnen konnte, war ich gezwungen, wichtigen nationalen und internationalen Kunstereignissen auszuweichen, was meine Marktplatzierung verzögerte, die ich erst später erreichte. Ich begann, regelmäßig an verschiedenen nationalen und internationalen Ausstellungen teilzunehmen, und fand mit Genugtuung beachtliche Wertschätzung bei mir unbekannten Kritikern. Im Grunde habe ich meine besten Jahre verloren und konnte keine künstlerischen Freundschaften pflegen, da ich zudem ziemlich zurückhaltend bin, was mir meiner Ansicht nach in diesem ohnehin so schwierigen Feld sicherlich geschadet hat.

Gastone Indoni: Darum hast du eine vehemente Chamäleonkraft aufgenommen, die es dir erlaubte, die Stile beliebiger Künstler neu vorzulegen, wie es dir Vittorio Sgarbi selbst zugestanden hat, als er deinen perfekten Kubismus analysierte und bestaunte.

Antonio Anastasia: Gewiss. Dieses Lernen von so vielen großen Meistern und die große Lust, ihnen nachzueifern, stets unter Berücksichtigung meiner Persönlichkeit, hat mir nach und nach den Weg gewiesen, den ich dann einschlug, und überzeugt entschied ich, was mein endgültiger Weg sein würde.

Gastone Indoni: Was ist geschehen, wie und wann?

Antonio Anastasia: 1970 verspürte ich, obwohl ich weiter postkubistische Werke malte, wie die ganz aktuellen von 2020 zeigen, ein starkes Bedürfnis, Techniken zu erproben, um meiner innersten Kreativität Luft zu machen; ich wollte mit Unmittelbarkeit und illustrativer Synthese meine vielfältigen Gedanken auf die Leinwand übertragen, oder eine Emotion, geschehene Naturereignisse, solche, die soziale Aufmerksamkeit fordern, und warum nicht Träume, um auch in den Surrealismus hineinzugleiten; und dann der Kosmos, die Gattungsfantasie, vielleicht allein mit der Farbe, Themen frei von und fern von definierten Formen, nur mit Hilfe der Hände und ohne Pinsel.

Gastone Indoni: Eine Zeit voller schöpferischer Raserei, klassischer unbewusster Bezugspunkt natürlicher, fiebriger Schöpfer, die an Ufern landen, die sie rasch wieder verlassen, um …

Antonio Anastasia: So begann ich, mich zunächst mit Tempera auf Glas zu versuchen, um dann allmählich auf Leinwand und Holz zu den Synthetiklacken meiner väterlichen Erinnerung überzugehen, und das half mir, die atemlose Suche fortzusetzen. Die Effekte wurden zufriedenstellend, doch erst mit der Zeit und der ständigen unendlichen Suche fand ich das „geniale Etwas“, um die sehr schwer zu behandelnden Synthetiklacke absolut zum Verschmelzen zu bringen. Beim schöpferischen Akt dieser Werke entziehe ich mich völlig der Welt um mich herum und in der Stille meines Landhauses, während ich mit dem Auftragen der Lacke beginne, kommt immer ein Moment, in dem die Fantasie die Oberhand gewinnt, die Hand rennt schnell, damit die Farbe nicht trocknet, bis ich die unerforschtesten Farbalchemien finde.

Gastone Indoni: Es schlägt der klassische kathartische Moment, den du ein Leben lang gestreift hast und dessen Zentrum du endlich gefunden hast.

Antonio Anastasia: Das Ergebnis übersetzt sich in unglaubliche und fantastische Bilder, bildhafte und surreale Formen, oft wahre Lichtblitze, die ein faszinierendes und geheimnisvolles Universum projizieren. Eine erfüllende Freude! Oft befriedigt mich die Verschmelzung nicht, und dann überlege ich nicht lange: Ich lösche sie und versuche es später erneut. Der Betrachter steht, sobald das Werk vollendet ist, vor einer solchen Farbexplosion, dass sie Neugier weckt und ihn so absorbiert, dass er selbst Formen sehen und erahnen kann, wie es am Himmel mit den Wolken geschieht. Doch der Titel des Werks dient oft als leitender Hinweis.

Gastone Indoni: Also die Bindung zu deinen Werken? Reue, Zweifel, Eifersucht?

Antonio Anastasia: Um ehrlich zu sein, bin ich auf die meisten meiner Arbeiten eifersüchtig, ich habe nie ein Werk verramscht, vielleicht weil ich es glücklicherweise nicht nötig hatte; sie sind wie meine Kinder, und ich trenne mich nur ungern von ihnen. Jedes Werk pflege ich mit unendlicher Liebe und betrachte und beobachte es vor dem Signieren tagelang und suche geduldig, vielleicht übertrieben, nach dem fehlenden Detail. Vielen wird es seltsam vorkommen, aber fast alle repräsentieren mich trotz ihrer Verschiedenheit, sowohl die durchdachteren und sorgfältigeren postkubistischen, die ich monatelang auf der Staffelei ruhen lasse, als auch die abstrakten, in die ich meine Seele und meinen Instinkt, mein Gefühl lege und all meine Kreativität und Leidenschaft für die Farbe freisetze. Es freut mich, wenn sich ein Besucher während einer Ausstellung neugierig, von der Farbigkeit beeindruckt, einem meiner abstrakten Werke nähert und nach der Bedeutung fragt: Wenn er dann den Titel liest und hört, was ich darstellen wollte, versteht und billigt er das Thema glücklich. Für mich ist das bereits ein nicht geringer Erfolg: Es bedeutet, dass das Werk, obwohl abstrakt, positiv verstanden wurde.

Gastone Indoni: Wie begegnest du den Schwierigkeiten des Künstlers heute?

Antonio Anastasia: Wir leben schon seit etlichen Jahren in schwierigen Zeiten, der Markt wird von Künstlern jeder Art überschwemmt; manche sind sehr gute Profis, sehr viele sind Emporkömmlinge, die überhaupt nicht in das richtige Klischee des Künstlers passen und, während sie die Taschen vieler Galeristen und Organisatoren wertloser Ausstellungen füllen, die Marktinformation stören, die darunter leidet, durch lächerliche Angebote verfälscht zu werden. Ganz zu schweigen von Institutionen, die schon deshalb, weil sie politisiert sind, keiner verdienstvollen Auswahl folgen und das Publikum immer mehr belügen, ohne eine wahrhaftige und nützliche künstlerische Diskontinuität zu schaffen. Alles ist Business, erdacht und organisiert für den Gott Geld. Bei vielen Veranstaltungen und Ausstellungen zeitgenössischer Kunst bemerke ich Werke und/oder Installationen, die meiner Meinung nach wenig oder nichts Künstlerisches haben und dennoch von einer unterwürfigen Kritik bewundernswert besprochen werden. Ich hoffe, dass die Institutionen eines Tages, vielleicht von Kunstkennern geleitet, entschlossen in Kultur und Kunst investieren, statt Milliarden für beschämende Klientel-Theoreme zu verschwenden.

Gastone Indoni: Ein „J'accuse“, dem Zola applaudieren würde …

Antonio Anastasia: In diesem Zusammenhang erlaube mir, bevor ich schließe, dir eine Art seltene Ausnahme zuzugestehen, die dir vielleicht, wie du sagst, nicht durch Verdienst zukommt, sondern durch die Leidenschaft, die du stets in deine Arbeit gelegt hast; ich denke, dein Weg, dein künstlerischer Hintergrund, der dich als Maler eine bedeutende Werkstatt für große Auftraggeber leiten, am eigenen Leib Künstlererfahrungen machen, eine Unzahl von Ausstellungen als Kurator und Galerist betreuen und als qualitätsbewusster, Meistern und verdienten Aufstrebenden gegenüber respektvoller Verleger wirken ließ, hat dich mit einer Erfahrung bereichert, die dir zusammen mit deinem Charakter einen ganz anderen Ansatz als den üblichen eingeprägt hat, der, was mich betrifft, beispielhaft gewesen ist.

Gastone Indoni: Ich halte dich auf, Maestro: Glaubst du, dass die Wertschätzung und Freundschaft, die uns verbindet, integraler Bestandteil dieses Interviews sein soll?

Antonio Anastasia: Natürlich! Unser Gespräch war ein freundschaftliches, oder? Wenn du also ein Leben lang Kritiken und Rezensionen für mich schreibst, kann es, wenn ich dir eine gerechte Anerkennung zuteilwerden lasse, die auch vom Erfolg deiner Arbeit als Blogger bestätigt wird, ganz zu schweigen von der großartigen Zeitschrift, gewiss nicht als parteiische Schmeichelei gelten. Im Gegenteil, weißt du, was ich sage? Begießen wir dieses Treffen; lass uns ein paar Spaghetti essen gehen, Gastò!