Antonio Anastasia

Critiche

Sintesi di alcuni testi di critici d'arte storici e curatori.

Estratto

“Fuori dalle cerchie più à la page, il Cubismo continua a essere un riferimento importante, come il primo linguaggio capace di tenere realmente il passo di una contemporaneità considerata in eterno presente. È questo l'approccio con cui il salentino Antonio Anastasia ha reso omaggio al Cubismo, in un modo rispettoso ma tutt'altro che reverenziale, interpretandolo non come meta finale ma come tappa intermedia per portare avanti un linguaggio nuovo, consapevole di avere alle spalle un background artistico di tutto rispetto. Indubbiamente un talento, viste le molteplici cifre cromatiche che riesce ad esprimere su varie superfici, dimostrando, nella sua assoluta indipendenza espressiva, di saper governare il colore — che è sostanza e radice di vita — con l'innovativa tecnica a smalto sintetico che ha del misterioso.”

Vittorio Sgarbi

Storico e Critico d'Arte

Porto Franco — gli artisti sdoganati da V. Sgarbi, Edizioni EA, Palermo · 2014

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C’era una volta il Cubismo. Quello analitico, pionieristico, breve e intensissimo, con i dioscuri Picasso e Braque a indicare la strada, elaborando un nuovo linguaggio, votato a cogliere la dimensione mentale delle cose, che sviluppa al meglio le intuizioni di Cézanne; quello sintetico, successivo al 1912, con i maestri primari che vengono affiancati da tutta una serie di diversi proseliti, impegnati a diffondere il verbo e a codificarlo in linguaggio di più larga condivisione, in un modo non troppo dissimile a quanto fece la manfrediana methodus con Caravaggio.

In Italia, il rapporto col Cubismo fu particolare. Condizionato inizialmente dal Futurismo, che sarebbe dovuto esserne fratello di latte, ma che, vittima del suo nazionalismo, finì per considerarlo rivale nella primogenitura dell’Avanguardia, nel nome del solito primato italiano. Poi ci fu l’ostracismo della figurazione recuperata (Valori Plastici e Novecento innanzitutto), che da una parte non fu affatto estranea al senso “squadrato” della forma introdotto dal Cubismo, dall’altra lo rinnegò apertamente, tacciandolo di degenerazione intellettualistica che oltraggiava la sacra lezione ereditata dal Rinascimento, italiano, naturalmente. Sicché, chi in Italia voleva occuparsi di Cubismo e dei suoi sviluppi doveva farlo in maniera appartata, fuori dalla linea maestra, come i razionalisti del Milione, ad esempio, oppure rimanendo sotto l’egida patriottica del Futurismo, come fanno Depero e Prampolini. Se questa era la situazione, non sorprende che nel primissimo Dopoguerra, spazzate le complicità col fascismo, la riscoperta del Cubismo diviene la tappa obbligata di buona parte del processo di ammodernamento e internazionalizzazione dell’arte italiana, coinvolgendo tanto il versante astrattista quanto il figurativo. Ma dagli anni Cinquanta avanzati in poi, il Cubismo torna a destare poco interesse, travolto dall’orgia informale, e sono in molti a considerarlo consegnato alla storia, ormai definitivamente.

Non per tutti, però. Fuori dalle cerchie più à la page, specialmente fra gli autodidatti, gli studenti d’arte e quanti sono all’inizio della loro formazione artistica, il Cubismo continua a essere un riferimento importante, come il primo linguaggio capace di tenere realmente il passo di una contemporaneità considerata in eterno presente, che va dunque appreso e applicato. E’ questo l’approccio didattico con cui anche il salentino Antonio Anastasia ha reso omaggio al Cubismo, in un modo dunque rispettoso, ma tutt’altro che obbligato e reverenziale, interpretandolo non come meta finale, ma come tappa intermedia, per quanto importante, nel percorso alla ricerca della propria cifra espressiva. Un percorso che significativamente, a sottolineare quanto appena detto, ha contemplato anche altre retrospezioni stilistiche, altre immedesimazioni nei linguaggi storici della modernità, come, ad esempio, l’Astrattismo, l’Informale, con esiti non meno rilevanti di quelli conseguiti con il Cubismo. Non si tratta di “culturalismo” a buon mercato, del farsi bello di una citazione per giustificare la dignità di una proposta artistica altrimenti poco consistente, tanto per capirci, come in Italia, paese tendenzialmente ignorante, capita fin troppo spesso. A riprova di ciò, il fatto che Anastasia ha nel frattempo continuato a praticare una figurazione di soggetto naturalistico che, seppure più prevedibile e convenzionale, ha comunque fornito all’artista la possibilità di esprimersi con un sermo cotidianus che rimane ancora di maggiore comprensione popolare, apparentemente incurante delle successive mediazioni intellettuali che il Cubismo ha imposto da sé stesso in poi. Anastasia, dunque, non vuole affatto mascherarsi in quello che non è, vuole solo capire per poter fare proprio, assimilando solo dopo aver adattato al proprio senso critico, al proprio modo di avvertire l’arte e il mondo. Nelle sue opere “retrocubiste”, per esempio, ho notato la lucidità con cui riconosce a Gino Severini, il più francese dei nostri avanguardisti storici, prima futurista militante, poi antesignano figurativo del rappel à l’ordre, di essere il più logico anello di congiunzione, non solo formale, fra le griglie sintetiche di Gleizes e Delaunay e un Futurismo alla Depero inteso come suprema decorazione universale. Un’interpretazione per niente scontata, anzi acuta e raffinata, che non può non suscitare rispetto per chi l’ha elaborata, dimostrandola con l’evidenza di un’invenzione artistica del tutto convincente in questo senso.

“La pittura del Maestro Antonio Anastasìa, in qualsiasi stile, fa sempre rima con magìa. Se la definizione della dimensione artistica di un pittore dovesse dipendere, oltre che dalla qualità delle sue creazioni, anche dalla quantità di stili, stilemi, moduli, tratti distintivi, caratteristiche segniche, tocchi e ritocchi, evoluzioni, schemi, registri, spartiti, elementi stilistici, manierismi, tratteggi, segmenti, tecniche diverse, modi, attitudini, impronte e/o cifre e mille altre corbellerie, allora uno dei rari Maestri che possa corrispondere alla dotazione complessa di tutte queste voci, e di cui posso tranquillamente mettere la mano sul fuoco, lo riconosco inesorabilmente in Antonio Anastasìa. Nei vent'anni in cui l'ho assistito, osservato, studiato, recensito e ragionato su diversi libri, cataloghi, monografie, ed esposto in più di cento tra mostre ed eventi, l'ho visto proporsi in tutti gli stili che conosco con tanta versatilità che non mi stupì quando lo stesso Vittorio Sgarbi e il compianto Philippe Daverio sottolinearono entrambi che in nessun pittore italiano avevano riscontrato la stessa solerte bravura nell'esprimere lo stile non proprio semplice del Cubismo. Lo stile cubista enfatizza la superficie piatta e bidimensionale del piano dell'immagine, rifiutando le tecniche tradizionali di prospettiva, scorcio, modellazione e chiaroscuro e confutando le teorie tradizionali secondo cui l'arte dovrebbe imitare la natura. Ma l'attenzione peculiare dei pittori cubisti era rivolta essenzialmente alla parte tecnica, depauperando l'emotività della fantasia. Come mi sono letteralmente beato ad osservare il dipinto appena proposto dal Maestro Anastasìa, chiunque faccia altrettanto non può che godere di un racconto reso, a parte la magia del colore distribuito con attenzione da miniatore provetto, con uno schema multitasking dove la lettura facile è data dalla chiave di violino che battezza la musicalità dell'insieme, dalle curvilinee che strizzano l'occhio alla precisione di un costrutto dove le movenze, rese illeggibili da una fantasmagorica fantasia, lasciano comunque un'impronta matematica che si affida a logaritmi e teoremi pittorici che non solo hanno evitato una paventabile confusione ma, anzi, esprimono una difficilissima impronta di eleganza generale che concupisce l'osservatore. Inventare un giocattolo visivo di questa portata architettonica comporta una genialità creativa assolutamente rara e molto originale nella sua intrigante decorazione e nella rigogliosa colorazione.”

Gastone Ranieri Indoni

Critico d'Arte, Editore e Curatore

Recensione sull'opera «Composizione Libera» — 20.04.2026 · 2026

Estratto

“Osservando con attenzione le opere del M° Antonio Anastasia si rimane affascinati da rappresentazioni formali che si avvicinano a un cubismo raffinato e ragionato dove vibra possente un rimando alla corrente spazialista: le due influenze si fondono con naturalezza in uno stile originale dove il colore gioca un ruolo chiave. L'artista utilizza spesso forme circolari e curvilinee dove il secco tratto nero di contorno si fonde con la limpida cromia; i differenti piani geometrici si attraversano e compenetrano evocando suggestioni astratte ma anche velatamente figurative. Emoziona il pubblico con dipinti in grado di stimolare la fantasia ed evocare magiche atmosfere: con uno stile informale dall'impronta gestuale misurata, l'artista dimostra di padroneggiare l'elemento cromatico con ammirevole maestria, invitando chi osserva ad immergersi all'interno di universi spaziali dove sembra non esistere il tempo. L'impressione generale è quella di un'artista attentissimo al dettaglio, dove anche la singola piccola area dipinta vive in funzione di un equilibrio compositivo globale nato per destare meraviglia. La pittura di Anastasia comunica con immediatezza la sua incontenibile energia creativa: le campiture di colore si susseguono in un ritmo crescente alimentato dall'ispirazione dell'artista. Bellezze da togliere il fiato, unicità sorprendenti che lasciano a bocca aperta, il perfetto risultato della libertà espressiva che fluisce spontaneamente, ecco la vera meraviglia che si prova al cospetto delle opere qui esposte.”

ArtTime

Gallerista e critico d'arte

Testo critico in occasione della mostra di Udine · 2025

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Estratto

“Pur mantenendo la sua iniziale passione per il Cubismo, l'artista ha sviluppato, sin dagli anni '70, una tecnica più istintiva ed emozionale. Riallacciandosi alla pittura Astratta ed Informale, realizza opere come «Maremoto», nel quale la sapiente stesura degli smalti sintetici crea effetti di verosimiglianza quasi naturalistica. La fusione dei colori, lasciati colare sulla tavola, ricorda l'Action Painting di Jackson Pollock e William Congdon, pur mantenendo una memoria figurativa che emerge sottilmente tra i toni cromatici. Il turbinio di cromatismi evoca lampi di luce, schizzi d'acqua e cieli tempestosi che conducono lo spettatore verso luoghi sconosciuti seppur familiari.”

Esposizione Triennale di Arti Visive di Roma

Catalogo, Complesso del Vittoriano

Catalogo della Triennale di Roma al Vittoriano · 2017

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Affascinato sin dall’infanzia dai colori che il padre, pittore e decoratore, amalgamava ogni giorno nel suo laboratorio, Antonio Anastasia ha scoperto la sua vocazione artistica in tenera età. Dopo aver conseguito il Diploma all’Istituto Statale d’Arte di Lecce, l’artista si è trasferito a Roma dove ha continuato gli studi all’Accademia di Belle Arti sotto l’egida di maestri d’eccellenza, quali Renato Guttuso, Francesco Gentilini, Piero Guccione e Mino Maccari. Pur mantenendo la sua iniziale passione per il Cubismo, l’artista ha sviluppato poi, sin dagli anni 70, una tecnica più istintiva ed emozionale. Riallacciandosi alla pittura Astratta ed Informale, egli realizza opere come “Maremoto”, nel quale la sapiente stesura degli smalti sintetici crea effetti di verosimiglianza quasi naturalistica. La fusione dei colori, lasciati colare sulla tavola, ricorda l’Action Painting di Jackson Pollock e William Congdon, pur mantenendo una memoria figurativa che emerge sottilmente tra i toni cromatici della tavola. In definitiva, il turbinio di cromatismi evoca lampi di luce, schizzi d’acqua e cieli tempestosi che conducono l’animo dello spettatore verso luoghi sconosciuti seppur familiari.

Estratto

“I pregevoli e coloratissimi dipinti che scandiscono la carriera di Antonio Anastasia, frutto di grande virtuosismo tecnico e assoluta padronanza cromatica, sono essi stessi prova dello sconfinamento dall'astrazione alla figurazione e viceversa: a volte opere rigorosamente informali, frammenti di nero, blu, grigio illuminati da vividi bagliori di gialli, rossi, azzurri, pure forme fluttuanti in un immaginario spazio infinito colto nel momento della sua improvvisa esplosione; a volte dipinti di nitida scansione geometrica che si rifanno, senza alcun complesso d'inferiorità, alla grande tradizione del primo Cubismo di Picasso e Braque rivisto con l'occhio effervescente di un Balla o di un Depero. Egli è in definitiva insieme figurativo e astratto, a volte delicato e poetico, a volte cromaticamente e dinamicamente violento, come se in lui convivessero il dott. Jekyll e mister Hyde.”

Sergio Rossi

Docente di Arte Moderna, Università La Sapienza di Roma

Esposizione Triennale di Arti Visive a Roma 2014, Giorgio Mondadori · 2014

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« Prese l’architetto, se io non erro, pure dal pittore gli architravi, le base, i frontespizi e simili tutte altre cose; e con regola e arte del pittore tutti i fabbri, scultori, ogni bottega e ogni arte si regge…però usai dire tra gli amici, secondo la sentenza de’ poeti, quel Narcisso convertito in fiore essere della pittura stato inventore; che già ove sia la pittura fiore d’ogni arte, ivi tutta la storia di Narcisso viene a proposito. Che dirai tu essere dipingere altra cosa che simile abbracciare con arte quella ivi superfice del fonte? ». Così scriveva Leon Battista Alberti nel suo Trattato sulla pittura del 1436. Ed è appunto alla “pittura” in ogni sua variazione stilistica che ha dedicato tutta la sua vita Antonio Anastasia, artista poliedrico e insieme appartato, si inserisce comunque a pieno titolo in quella tendenza alla riflessione sulle esperienze artistiche del passato che ha ormai conquistato tanti artisti contemporanei che vivono il ritorno al “dipingere” non come un qualcosa di passatista ma piuttosto come la risposta sempre attuale al bisogno di esprimersi connaturato in ogni essere umano.

Del resto oggi finalmente possiamo ricomporre il dualismo, troppo a lungo imperante, tra razionalità e fantasia, o per dirla con altre parole, tra ragione e sentimento, e riconoscere che non vi è alcuna incompatibilità tra questi termini e che anzi entrambi questi elementi sono necessari per la perfetta riuscita di un’opera d’arte. Ma oggi si è ricomposto anche l’altro grande elemento di contrasto che ha dominato l’estetica del Novecento, quello tra intellettualità e manualità, tra idea e prassi. Tramontata infatti la grande utopia dell’arte concettuale si è tornati ad apprezzare in un’opera d’arte, anche fotografica o di video-art, la cura fattuale o se si preferisce tecnica, con cui essa è eseguita, senza per questo nulla togliere al suo valore poetico.

Dunque il contrasto non è più tanto tra pittura e arte concettuale, tra figurativo e informale quanto tra arte colta e arte popolare, linguaggio comprensibile a tutti e linguaggio riservato a pochi, così come tra colui che sa fare arte, qualunque mezzo espressivo usi e colui che non sa farlo.

E i pregevoli e coloratissimi dipinti che scandiscono la carriera di Antonio Anastasia frutto di grande virtuosismo tecnico e assoluta padronanza cromatica, sono essi stessi prova dello sconfinamento dall’astrazione alla figurazione e viceversa, perché sono opere a volte rigorosamente informali, frammenti appunto, di nero, blu, grigio, illuminati da vividi bagliori di gialli, rossi, azzurri, pure forme fluttuanti in un immaginario spazio infinito colto nel momento della sua improvvisa esplosione; a volte invece sono dipinti di nitida scansione geometrica che si rifanno senza alcun complesso d’inferiorità, alla grande tradizione del primo Cubismo di Picasso e Braque rivisto però con l’occhio effervescente di un Balla o di un Depero, lasciando sempre, che la materia viva di una sua propria forza creativa, produca degli effetti cromatici e segnici a volta inattesi e che l’artista si limita a controllare e suggerire, ma non ad imporre.

Egli è in definitiva insieme figurativo e astratto, a volte delicato e poetico ed a volte cromaticamente e dinamicamente violento, come se in lui convivessero insieme il dott. Jeckill e mister Hyde, o meglio se entrambi si specchiassero in quella stessa fonte di Narciso citata all’inizio. Acutamente osserva Simone G. Pieralice:

“ Ogni opera di Anastasia porta con se le tracce di un passaggio attraverso luoghi, passioni, universi che sfociano nella narrazione di una dimensione sospesa tra realtà e immaginario. Mirabile il suo intenso lavoro artistico che sa cogliere e combinare, in linee e colori, messaggi a volte poetici e simbolici, a volte ricchi di un’espressività che scava nell’animo. La singolarità dei soggetti di Anastasia è ben evidente nella sua ultima produzione laddove i personaggi rappresentati si librano sul magma di una materia scomposta, a volte concepita per pluralità di colori che in accordo tra loro portano a una concretezza dell’immagine. L’identità viene così ricostruita per successive modificazioni di linee e nuove conclusioni formali – spaziali della composizione, emblematica a tal proposito è l’opera “ Forme nello Spazio” ed il ciclo di quadri di ispirazione Cubista e Futurista. Elementi che danno ossatura alle immagini, non casuali o estemporanei, ma parti di una cosciente addizione. Ognuna di queste tele raffigura un interno e complessivo equilibrio di segni e di forme, testimonianza d’una evidente e sensibile mediazione tra ordine e disordine. I dipinti nascono allora dalla complessità di un progetto-processo fondato su regola e irregolarità.

Triangolazioni nello spazio, forme convesse, linee, soluzioni geometriche il tutto espresso con un incontenibile tripudio di colori riflesso di un’anima solare e positiva, conseguenza ed esito della convinzione che l’arte possa avere quell’effetto taumaturgico e miracoloso finalizzato a lenire i dolori e le tristezze del secolo attuale.”

Entrando nello specifico di alcune delle sue opere più significative, inizierei dal bellissimo Giocatori di polo, dove quattro cavalieri si intersecano e si scontrano cubisticamente frazionati ma insieme nettamente distinguibili in un dipinto dove i riferimenti palesi a Delaunay e soprattutto al meno noto ma bravissimo Andrè Lothe e ai suoi Giocatori di rugby, questi riferimenti dicevo, non ci devono nemmeno distogliere, ancora una volta, dalle matrici italianissime del nostro Anastasia che risalgono niente di meno che al primo pittore cubista della storia dell’arte, ossia Paolo Uccello.

Scomposizioni di piani, giochi cromatici che si intersecano fra loro in una commistione equilibrata e armonica, una decostruzione della prospettiva in funzione di un annullamento dei canoni codificati dell’arte.

Piccoli tasselli che raccontano il narrato dell’opera scomposti e ricomposti come fossero anagrammi. Forse, come per i cubisti, anche in Anastasia c’è la volontà di indagare il rappresentato sotto diversi punti di vista, sotto ogni angolatura al fine di rendere l’opera una sorta di “esperimento scientifico” che con pennelli e colori passa al setaccio ogni forma dello scibile umano per sottoporlo all’analisi lenticolare dell’artista.

E ancora mi piace citare la nitida Composizione di frutta, come di un Caravaggio rivisto attraverso gli occhi di Casorati, un Casorati però più solare e mediterraneo; o ancora il più dinamico e verticale Immagini di vita in composizione. Cubismo e astrattismo quasi sconfinano, poi, nel musicalissimo Ritmo o in Forme nello Spazio, per ricomporsi infine nel solenne Omaggio a Severini. Un’ultima osservazione infine sulla presenza della figura umana nella maggior parte delle opere di Anastasia. L’uomo infatti è solo apparentemente assente, sta nell’altra stanza, o fuori dalla finestra, o dietro la curva di un sentiero, in attesa del momento della sua riappropriazione, attraverso l’insostituibile strumento della pittura.

Estratto

“Nel suo laboratorio, zeppo di smalti e tele, nel silenzio mattutino dipinge: c'è solo lui, lo spazio per muoversi, gli smalti sintetici e la superficie su cui dar vita a un pensiero attraverso il movimento e l'amalgama dei colori, guidati dalla spatola e dalle sue dita, che danno origine a straordinari effetti cromatici impossibili da realizzare col pennello. Il suo personalissimo Espressionismo Astratto è un mix fra Astratto, Informale, Dripping e Spazialismo: esprime il malessere verso una società malata raccontandolo solo attraverso il colore, senza immagini, in piena libertà.”

Eleonora Dusi

Curatrice — Intervista

Italia Sera — Rubrica «Armonia, Arte, Sport» · 2013

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Estratto

“«Future Emozioni» è un universo in espansione, un caleidoscopio di forme che si intersecano e si dissolvono, di triangoli che si uniscono a quadrati, di cerchi che sfiorano trapezi in una sinfonia cromatica senza sosta. Ogni figura si scompone e si ricompone in un ritmo incessante, come se l'artista stesse cercando di tradurre il codice segreto della realtà attraverso il linguaggio delle forme. Antonio non si limita a suggerire un ordine geometrico, ma spinge a cercarlo, a scoprirlo nell'apparente caos, a ritrovare un'armonia che è lì, davanti ai nostri occhi, pronta a rivelarsi. Riecheggia il rigore di Piet Mondrian, con la ricerca della perfezione della linea e per l'equilibrio tra forme e colori. Ma, mentre Mondrian costruisce un ordine severo, Antonio rompe la rigidità, piega le geometrie, lascia che i confini tra le figure si dissolvano, come se la materia fosse in perenne trasformazione. Al tempo stesso, si avverte un'eco di Vasilij Kandinskij, con la sua idea che la pittura astratta possa tradurre su tela il suono dell'Universo. Le geometrie di Antonio si muovono e vibrano in un'armonia musicale, in una danza di luce e di energia. L'artista, con il suo straordinario equilibrio tra rigore e libertà, ci mostra un mondo in cui le geometrie non sono prigioni, ma porte aperte all'infinito.”

Via Margutta — Mostra Collettiva

Critico d'arte professionista

Testo critico su «Future Emozioni» (olio su tela, 80 × 80 cm, 2018) — Roma, marzo · 2025

Interviste

Eleonora Dusi

Curatrice — Roma

Italia Sera, rubrica «Armonia, Arte, Sport» — giovedì 17 gennaio 2013

L’appartamento è in un complesso condominiale storico di quelli tipici del quartiere Prati a Roma. Con il cortiletto interno curato, le piante e le biciclette con il cestino. In quell’appartamento c’è uno studio d’artista. Quindi, ricapitolando: una casa fra le case, l’ora di pranzo, gli studi di commercialisti, avvocati e notai, l’ambulatorio di qualche dentista e un pittore. Che mi apre la porta sorridendo e mi fa subito sedere nel suo studio, in quell’angolo, contenuto e discreto, in cui ha il cavalletto e i colori. Uno studio con tutti i crismi. I vasi con i pennelli, i tubetti dei colori e la tavolozza sporca. L’odore di olio e trementina della tela in corso.

Mi incuriosisce, Antonio Anastasia, perché ha iniziato a dipingere da ragazzo, agli inizi degli anni ’60 e nel 1968 già esponeva una quarantina di opere nella sua prima personale a Maglie al “Circolo Culturale Friends Club”: in seguito, per cause di forza maggiore, si è dedicato prevalentemente alla grafica. Quasi esclusivamente per Alitalia, dove era responsabile del progetto ICARUS per la cartografia automatizzata, contribuendo a dare prestigio a livello Europeo alla nostra compagnia di bandiera. Mi fermo, gli dico: questa è la tua opera più importante indicandone una! E lui mi dice sì, ma l’opera a cui tiene maggiormente anche se non la più importante e magari quella mai esposta e meno in vista è “L’amore perduto (a mia moglie)”, che è una sfera gialla fra i colori. Come sono dedicati a sua moglie quell’astratto felice, “Pensiero d’Amore”, “Primavera a Pallottini” e “Composizione musicale con fiori tropicali”. Un ricordo doloroso, che è stata però la spinta a rifugiarsi con tutta l’anima alla pittura, la sua vera professione, e riprendere con slancio la ricerca per una nuova tecnica pittorica iniziata negli anni 70. Il suo personalissimo “Espressionismo Astratto”, un mix fra Astratto, Informale, Dripping e Spazialismo. Cerca spesso di esprimere tutto il suo malessere verso una società malata ma raccontata solo ed esclusivamente attraverso il colore, senza immagini, in piena libertà. A questo è arrivato solo dopo molti anni di ricerca e tele distrutte e un’intuizione rivelatasi vincente dopo una notte insonne e tantissime prove.

Mi racconta che durante l’esecuzione di un’opera Astratta, (che produce solo nella sua casa di campagna per via dello spazio) si estranea, si isola, nessun contatto. Nel suo laboratorio zeppo di smalti e tele nel silenzio mattutino dipinge, c’è solo lui, tanto spazio per muoversi intorno, gli smalti sintetici e la superficie su cui dar vita ad un pensiero, un’idea attraverso il movimento e l’amalgama dei colori guidati dalla spatola e dalle sue dita, che danno origine a quegli ammirati effetti cromatici straordinari, impossibili da realizzare col pennello.

C’è molto ordine nel suo studio a Roma come in tutta la “casa galleria”. Le sue opere sono ovunque, appese ed accatastate in ogni stanza, anche quelle eseguite direttamente sul vetro, che rappresentano l’inizio della ricerca astratta, che sicuramente lo caratterizzano e, più di tutte, quelle che gli piace chiamare “cubiste/futuriste”: si tratta di tele suddivise geometricamente in cui no, non c’è un reale cubismo. La forma non viene “aperta” sul piano ma viene, piuttosto, segmentata in zone di diversa cromia, con un uso affascinante e pieno, compatto, dei colori primari. Ogni spazio è riempito. Suona gradevole tutta questa faccenda, mentre vedo i suoi lavori cubisti/futuristi finalmente dal vivo.

“Perché le nature morte le chiami “Composizione di natura morta” o “Composizione musicale con fiori tropicali”, “Composizione con edera”. Perché questo termine “composizione”, gli dico io.

“Perché gli oggetti sono collocati in uno spazio fintamente, decido la scena come un regista e li ritraggo. Sono io a mettere insieme degli strumenti musicali e dei fiori. Non esisterebbe altrimenti, in natura, questo accostamento”. La parola “con” va messa quando nella composizione c’è un elemento vivo. La linearità di questa logica è spiazzante. Come anche lo sono alcuni vecchi dipinti giovanili. Brutalmente semplici, vagamente elementari, ma entusiastici, felici. I tramonti, quelli dei poeti.

“Sì ma” continuo io mentre rimando a un momento successivo il suo gentile invito a pranzare assieme “quali sono le opere che realmente ti rappresentano. Quali, quelle di cui potresti dire: “questo sono io”.

Queste, mi dice mentre punta il dito verso un grande pannello in corridoio. È un pannello ampio, di circa tre metri di altezza e centoventi di larghezza. Con i colori che sono i suoi, quelli che lo contraddistinguono. Un certo blu, un certo giallo ocra, i verdi, i rossi, gli aranci. Cubista/Futurista, agglomera simboli oggetti e animali da bestiario medievale. E astri, pianeti, un computer, una composizione di natura morta, una finestra aperta su un tramonto collinare, ruote di ingranaggi meccanici a rappresentare il lavoro, tubetti di colori, e il volto della sfinge. Mi spiega pazientemente mentre ci passo il tempo strampalata. In pratica il pannello rappresenta in alto il cielo, al centro le cose terrene, in basso un accenno di vita nel mare. Che lì si intersecano presente e passato.

“Ecco. È questo, che sono io”. Come si chiama, gli dico di rimando. “Immagini di vita in composizione”. Sorrido. “Anche qui c’è una composizione”.

L’opera più rappresentativa che gli ha dato moltissime soddisfazioni nei concorsi di pittura è “Giocatori di Polo”. Gli piace che si tratti di figure in una convulsa somma. I muscoli dei cavalli, le braccia dei giocatori. Ma non c’è, affatto, alcun movimento. C’è, semmai, fluidità e linearità, morbidezza. Un impeto che rasserena. Perché chi guarda una partita di polo non guarda un assalto della cavalleria in battaglia: guarda uno spettacolo divertente su un prato. Altri giocatori di polo della storia, quelli di Renato Birolli del movimento di Corrente, quasi a riposo. E anche Gen Paul, quelli sì convulsi e fagocitanti, divoratori di aria e spazio. Mi sovviene, guardando Giocatori di Polo, che in Anastasia c’è quasi una infantile voglia di levarsi le briglie, dopo quasi una vita a produrre carte aeronautiche e a fare il grafico. A dipingere per mestiere. La creatività c’è comunque sempre, in un lavoro come questo, mi dice mostrandomi qualcosa e i lavori che osservo sono pregevoli. Tutti a mano, esecutivi per la stampa con il graphos, quando la grafica pubblicitaria era fatta in questo modo. Da artigiani, con tempera e aerografo. Le brochure, i decori, addirittura i francobolli erano disegnati a mano, come quei tre per il concorso del Venticinquennale di Alitalia che tira fuori da una cartellina.

“Vuoi diventare famoso?” gli butto lì, per gioco. “Non è il mio primario desiderio diventare ricco dipingendo, se è quello che vuoi dire”. Sorride sagace. “Vendere un quadro a volte è qualcosa che mi rattrista, è come se una parte di me andasse via”. Molte opere le considero figli miei che non darò mai via. Non svenderesti una tua opera, gli chiedo affermativa. Scuote la testa. Poi si fa serio e mi dice: “Dipingo perché ne ho un bisogno vitale”. Racconta a bassa voce che le idee spesso gli vengono improvvisamente, dal pensiero di alcuni eventi o da sogni che corre ad appuntarsi anche di notte. Mi viene in mente che alcuni registi fanno così. Ci diciamo tutto questo mentre sfogliamo i tanti cataloghi e riviste che lo ospitano e frughiamo fra le locandine. La Biennale Internazionale di Roma del 2012, Torino, Colonia, Miami con Art River e, proprio in questi giorni, la Biennale di Palermo.

Di fatto mi trovo con un artista di poliedrico impulso che, come a un artista è dovuto, è alla continua ricerca di nuove sperimentazioni tecniche. Mi stupisce la differenza di stile e tecnica fra le opere su vetro rispetto alle altre. C’è qualcosa di misterioso in queste chiazze di colore denso e trasparente. Quello che pare, è che siano impressioni di colore rimaste lì a sedimentare. Qualcosa che abbia trovato un posto su quel vetro e lentamente si sia disidratato. C’è opacità, profondità e mistero. Quelle che vedo dal vivo sono opere di minute dimensioni, al massimo 40x50. Sono abituata a non sorprendermi se un artista diversifica in modo considerevole la propria produzione. In tutti c’è una dualità.

“Tutti abbiamo qualcosa di più segreto”, mi dice lui. “Qualcosa che sia meno vivace dei Giocatori di Polo”. Annuisco.

Gastone Ranieri Indoni

Critico d'Arte, Gallerista, Editore e Curatore

Aprile 2021 — pubblicata sulla rivista d'arte bimestrale «FMS»

Gastone Indoni: Ciao Antonio, siamo amici da tanto tempo e conosco la tua arte, che ho scandagliato in tutti gli stili che sei stato capace, come pochi, di proporre; oggi, da amico e non da critico, ti voglio rivolgere domande che la più semplice complicità mi suggerisce: raccontami come e perché sei nato e diventato artista.

Antonio Anastasia: Beh, sai, fin da ragazzino ho dato del tu ai colori. Sempre, nel laboratorio di mio padre, artigiano, pittore e decoratore, mi incantavo ad osservare, e l'ammiravo per come conseguiva i colori necessari, con quale capacità miscelava gli smalti sintetici o come preparava le tempere da distribuire ai suoi operai per i vari lavori. Non ti nascondo che spesso, nella certezza dell'assenza prolungata di mio padre, inosservato ospite, mi intrufolavo per tentare i primi dosaggi che poi, allora del tutto ignaro, sarebbero diventati nel tempo il principale oggetto-mira delle mie inesauribili ricerche. Sai, nel 1955 le varie tonalità si ottenevano a mano calibrando nel bianco i colori principali e quella miscelazione iniziale era stupenda; girando col pennello dentro il contenitore, veniva a crearsi, prima dell'amalgama finale, un vortice di colori fatto dapprima di striature regolari, poi a maglie più allargate, fino ad assumere la tonalità desiderata con solo qualche ulteriore piccola correzione. Quel vortice cromatico mi entrò subito in circolo nel sangue senza abbandonarmi più.

Gastone Indoni: Addirittura un effetto così viscerale?

Antonio Anastasia: Ho vissuto e vivo ancora oggi analizzando e coniugando tutte le infinite cromie armoniche del colore e tutte quelle sfumature che esaltano il chiaro-scuro, le ombre e i volumi. In estate, durante le vacanze scolastiche, andavo insieme agli operai esperti e imparavo il “mestiere”: finti marmi, finte carte da parati che, ricordo, si ottenevano con rulli di gomma poi ritoccati a mano, sottili righe di colore per creare finte cornici nelle chiese o nei palazzi signorili, eccetera. Tutta quell'esperienza, accumulata sino ai 18 anni, contribuì alla mia maturità artistica e a conformare l'intuizione per le opere Astratte. Un'irrefrenabile volontà di nuove e multiple ricerche cromatiche derivò e nacque proprio da quel ricordo, poi affinato nei decenni successivi.

Gastone Indoni: Prime esperienze paterne, allenamento con gli operai e ovviamente lo studio; ma chi ha influenzato e magari personalizzato la tua pittura?

Antonio Anastasia: Nonostante i miei quattro anni all'Accademia di Belle Arti di Roma a disegnare nudi (1965/1969) con i maestri Guttuso, Gentilini e Maccari, non sono mai stato attratto dal figurativo, non è il mio genere, giusto qualche paesaggio e tramonto perché pieni di colori; ma non mi realizzavo, non mi sentivo del tutto libero né creativo. Ammiravo sì i tratti decisi di Guttuso e i colori vivaci, ma preferivo alcune opere di Gentilini, che sentivo più vicine ai miei bozzetti decorativi e creativi fatti all'Istituto d'Arte di Lecce (1963/1965). In me ha sempre prevalso la fantasia decorativa e compositiva, per cui ero attratto dalle opere Cubiste e Futuriste dei grandi maestri come Picasso, Severini, Braque, Boccioni, Tato, Balla ed altri. Ho naturalmente sposato di conseguenza quella corrente artistica adattandola al mio gusto e alla mia personalità, pur ammirando la forza espressiva delle pennellate di Van Gogh e di tanti illustri Macchiaioli ed Impressionisti.

Gastone Indoni: Non hai subito dunque un particolare fascino trascinatore o adottato una timbrica particolare suggerita?

Antonio Anastasia: Ovviamente ho acquisito una imponente miscellanea di suggerimenti e connotazioni che però dovevo necessariamente personalizzare, perseguendo inesorabilmente quella cifra istintiva di cui tu parli, che mi facesse sentire padrone esclusivo di una firma stilistica. Purtroppo, dopo la prima personale del lontano 1968 nella mia città natale con 39 opere, appena ventenne, mi trasferii a Roma per terminare gli studi in Accademia. Si aprirono subito scenari interessanti e lavoravo con un entusiasmo indicibile. Dopo un po', tu sai come può sorprenderti la vita, non potendo rifiutare un incarico determinante, fui costretto a eludere eventi artistici nazionali e internazionali importanti, che ritardarono il mio collocamento di mercato, raggiunto poi più tardi. Iniziai ad essere presente e a partecipare con assiduità a varie mostre nazionali ed internazionali, riscontrando con soddisfazione un notevole apprezzamento da parte di critici a me sconosciuti. In sostanza ho perso gli anni migliori e non ho potuto coltivare amicizie artistiche, essendo anche abbastanza riservato, cosa che credo mi abbia certamente danneggiato in questo campo già così difficile.

Gastone Indoni: Ecco perché hai assimilato una veemente forza camaleontica che ti ha permesso di riproporre gli stili di chiunque, come lo stesso Vittorio Sgarbi ti ha riconosciuto analizzando e meravigliandosi del tuo perfetto cubismo.

Antonio Anastasia: Certamente. Quell'apprendere da tanti grandi maestri e la grande voglia di emularli, sempre tenendo presente la mia personalità, mi ha indicato man mano la strada che poi ho intrapreso, decidendo convinto quale sarebbe stato il mio percorso finale.

Gastone Indoni: Che è successo, come e quando?

Antonio Anastasia: Nel 1970, pur continuando a dipingere opere PostCubiste, come dimostrano le recentissime del 2020, ho sentito forte il bisogno di sperimentare tecniche per dare sfogo alla mia più intima creatività; volevo trasferire sulla tela, con immediatezza e sintesi illustrativa, i miei molteplici pensieri, o un'emozione, eventi naturali accaduti, quelli di richiamo e attenzione sociale, e perché no i sogni, tanto per planare anche sul surrealismo; e poi il cosmo, la fantasia di genere, magari col solo uso del colore, temi esenti e lontani da forme definite, con l'aiuto delle sole mani e senza l'ausilio dei pennelli.

Gastone Indoni: Un periodo di pieno furore creativo, classico riferimento inconscio tipico dei creativi naturali e febbrili che approdano su spiagge che abbandonano in fretta per…

Antonio Anastasia: Quindi ho iniziato a cimentarmi dapprima con tempere su vetro per passare gradualmente su tela e legno agli smalti sintetici di paterna memoria, e questo mi ha aiutato a proseguire nell'affannosa ricerca. Gli effetti cominciavano ad essere soddisfacenti, ma solo col tempo e con la costante infinita ricerca ho trovato il “quid geniale” per riuscire a far amalgamare in maniera assoluta gli smalti sintetici, molto difficili da trattare. All'atto creativo di queste opere mi estraneo completamente dal mondo che mi circonda e, nel silenzio della mia casa in campagna, mentre inizio la stesura degli smalti, c'è sempre un momento in cui la fantasia prende il sopravvento, la mano corre veloce per non far asciugare il colore, sino a trovare le più inesplorate alchimie cromatiche.

Gastone Indoni: Scocca il classico momento catartico che hai sfiorato una vita e di cui finalmente hai trovato il centro.

Antonio Anastasia: Il risultato si traduce in incredibili e fantastiche immagini, forme immaginifiche e surreali, spesso veri lampi di luce che proiettano un Universo affascinante e misterioso. Una gioia appagante! Spesso capita che l'amalgama non mi soddisfi, e allora non ci penso due volte: così cancello e riprovo successivamente. L'osservatore, una volta finita l'opera, si trova davanti a una tale esplosione di colori che genera curiosità e lo assorbe al punto che può lui stesso immaginare e intravedere forme, come avviene nel cielo con le nuvole. Ma il titolo dell'opera spesso fa da suggerimento-guida.

Gastone Indoni: Quindi il legame con le tue opere? Pentimenti, ripensamenti, gelosie?

Antonio Anastasia: Ad essere sincero sono geloso della maggior parte dei miei lavori, non ho mai svenduto un'opera, forse perché non ne ho fortunatamente avuto la necessità; sono come miei figli e me ne separo non felicemente. Ogni opera la curo con infinito amore e, prima di firmarla, la vedo e la osservo per giorni cercando pazientemente il dettaglio che manca, forse eccessivamente. A molti sembrerà strano, ma quasi tutte mi rappresentano pur nella loro diversità, sia le PostCubiste, più ragionate e curate, che lascio decantare per mesi sul cavalletto, sia quelle Astratte, in cui ci metto l'anima e l'istinto, il mio sentimento, e libero tutta la creatività e la passione per il colore. Ho piacere quando un visitatore, durante una mostra, si avvicina incuriosito, colpito dalla cromaticità, a una mia opera astratta e ne domanda il significato: poi, leggendo il titolo e ascoltando quello che ho voluto rappresentare, comprende e approva felicemente la tematica. Questo per me è già un successo non da poco: significa che, pur essendo astratta, è stata compresa positivamente.

Gastone Indoni: Come ti confronti con le difficoltà dell'artista oggi?

Antonio Anastasia: Oggi viviamo tempi non facili già da parecchi anni, il mercato è invaso da artisti di ogni genere; alcuni sono professionisti molto bravi, moltissimi sono dei parvenus che non entrano affatto nel giusto cliché dell'artista e, mentre ingrossano le tasche di tanti galleristi e organizzatori di mostre da nulla, disturbano l'informativa di mercato, che ne soffre perché falsata da offerte ridicole. Per non parlare di Istituzioni che, per il semplice fatto di essere politicizzate, non seguono una selezione meritoria, sbugiardando vieppiù il pubblico senza creare una discontinuità artistica veritiera e utile. Tutto è business concepito e organizzato per il Dio denaro. In tanti eventi e mostre di arte contemporanea noto opere e/o installazioni che a mio parere hanno poco o nulla di artistico, eppure vengono mirabilmente recensite da una critica asservita. Mi auguro che un giorno le Istituzioni, magari gestite da chi s'intende di arte, investano con decisione sulla cultura e sull'arte invece di sperperare miliardi in vergognosi teoremi clientelari.

Gastone Indoni: Un “J'accuse” il tuo che Zola applaudirebbe…

Antonio Anastasia: A tale proposito, prima di concludere, permettimi di riconoscerti una sorta di rara eccezione che forse, come dici tu, non ti viene per merito ma per la passione che hai sempre riversato nel tuo lavoro; penso che il tuo percorso, il tuo precedente artistico che ti ha visto dirigere, da pittore, una Bottega importante che serviva i grandi committenti, vivere sulla tua pelle esperienze d'artista, gestire una miriade di mostre come curatore e gallerista, e fare l'editore attento alla qualità e rispettoso di maestri ed emergenti meritevoli, ti abbia arricchito di un'esperienza tale da averti inculcato, unitamente al tuo carattere, ben altro tipo di approccio da quello comune che, per quanto mi riguarda, è stato esemplare.

Gastone Indoni: Ti fermo, Maestro: pensi che la stima e l'amicizia che ci unisce debba essere parte integrante di questa intervista?

Antonio Anastasia: Certo! Il nostro è stato un discorso amichevole, no? Allora, se da una vita scrivi critiche e recensioni per me, una volta che ti rivolgo un giusto riconoscimento, confermato anche dal successo che riscuote il tuo lavoro di blogger per non parlare della splendida rivista, non potrà certo essere considerato una lusinga di parte. Anzi, sai che te dico? Bagnamolo st'incontro; annamose a ffà du spaghi, Gastò!

Rassegna stampa e pubblicazioni

Selezione di copertine, cataloghi e annuari d'arte in cui l'artista è stato segnalato.